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Ler devia ser proibido

2011-12-26T14:57:00.000-08:00

18 de junho de 2011: um ano sem Saramago

2011-06-18T12:51:00.000-07:00

(Márcia de Oliveira)

Como disse o cineasta brasileiro Fernando Meirelles, há um ano, no dia da morte de Saramago: "o mundo ficou ainda mais burro e mais cego sem ele". Sem o homem que nos fez entender o que é Literatura e qual a sua importância para a sociedade; que nos fez enxergar que a vida só se comprova pelo seu fim; sem aquele que abriu os nossos olhos para nos provar o quanto somos cegos e inertes enquanto não fazemos absolutamente nada para impedir que este mundo se transforme num mundo ainda mais injusto e sem esperança; sem o homem que amou terna e verdadeiramente a sua Pilar e a ela proporcionou, até o último instante, um mundo de amor e sabedoria, que ultrapassou as barreiras do tempo e das diferenças; sem o poeta que escreveu suas memórias pequenas da infância, a fim de voltar a uma época que, apesar de toda dor e sofrimento, lhe transformara em um ser humano melhor, de alma simples, coração terno e mente sempre aberta; sem o idealista que jamais se absteve de suas convicções políticas e nem se deixou abater pelas críticas e perseguições sofridas; sem o homem que não acreditava em Deus e nem em outra vida, além desta e que, segundo Meirelles, tomara que esteja se contradizendo, vivendo agora num plano espiritual bem melhor e bem diferente deste, e que ao céu tenha subido, sendo, certamente, a estrela mais brilhante, mesmo à terra sempre pertencendo.

A Maior Flor do Mundo - José Saramago

2011-06-08T19:42:00.000-07:00

Vídeo baseado em um conto infantil de José Saramago. Maravilhoso!

A MAIOR FLOR DO MUNDO from ATTAC.TV on Vimeo.

Só uma canção...

2011-06-01T11:06:00.000-07:00

Movimento...

Thought of You

Ryan Woodward

URARIANO MOTA: A Cautelosa Recriação dos Duros Tempos e o Sorriso Esperançoso de Soledad

2010-08-22T09:00:00.000-07:00

Márcia de Oliveira

Ao ler Soledad no Recife, romance de Urariano Mota, nos deparamos com uma difícil situação, ao descobrir que palavras são pobres e insuficientes para traduzir a grandeza do texto, a perfeita recriação de uma triste e cruel história e, principalmente, o brilho do sorriso cheio de esperança de Soledad Barrett Viedma (a Sol), uma jovem militante paraguaia, assassinada junto com seus companheiros durante os duros tempos do regime militar pós-64, depois de ser covardemente entregue por seu companheiro Daniel (cabo Anselmo), namorado e pai do filho que esperava.

O romance, histórico, mas com ares de biografia, que traz como pano de fundo a ditadura militar brasileira, mais precisamente, os duros tempos do governo Médici, quando militares, descrentes do sistema democrático, defendiam que um regime de força, cerceador das liberdades políticas e constitucionais fosse a “melhor” coisa para o Brasil, atrela-se aos mais completos e surpreendentes recursos estilísticos que resultam numa mistura perfeita de ficção e realidade.

Através do que chamo de uma grande sacada, a de acrescentar um narrador-personagem fictício, de estilo mavioso e apaixonado, que nutre um amor platônico por Soledad, Urariano recria, minuciosamente, um contexto histórico real, acompanhado de uma ficção demasiado impressionante em que, em muitos momentos, me senti pertencente ao texto, como se vivesse àquela época. Impressionei-me com as fortes imagens do sofrimento de jovens idealistas que tiveram suas vidas interrompidas, precocemente, em nome do sonho de se construir um mundo melhor, chegando até mesmo a sentir suas angústias e a visualizar seus sonhos e medos.

O sentimento platônico despertado pela bela e revolucionária protagonista em nosso narrador é um detalhe que adoça e dá uma certa sutileza à história, porque consegue suavisá-la; torná-la menos dura e ainda mais especial. Como é possível alguém falar de amor, de forma tão terna e poética, em meio aos anos de chumbo? O escritor, jornalista e agora, com certeza, POETA Urariano consegue. Como conceitua muito bem Flávio Aguiar, no texto de apresentação do livro: Soledad no Recife é “um romance de amor que se passa em tempos contrários ao amor”. Em um tempo em que prevaleciam o medo, o silêncio e a falta de liberdade. Um tempo em que a condição humana não era respeitada. Um tempo em que o amor era visto como bobagem; alienação. E, mesmo assim, um tempo em que até o mais violento gesto, a mais cruel e sanguinária repressão não foi capaz de impedir que jovens, socialistas, erguessem suas bandeiras e lutassem, arriscando suas vidas, em nome da esperança de dias melhores e, não obstante, no calor da luta armada, sucumbissem aos desejos de amor. Parafraseando, oportunamente, as palavras de Urariano, devemos reconhecer que àqueles jovens, àquela época eram verdadeiras “sensibilidades agudas e inteligências sufocadas”.

“Gostaria de ter junto a mim sempre a visão que dela tive nesse encontro. Um regalo para os olhos. Quem a viu somente ali, sempre a recordará como uma pessoa carinhosa, guapa e linda em mais de um sentido. Para os olhos, para a inteligência, para o espírito, para o coração”. (Soledad no Recife. Pág. 106)

Onde termina a ficção e começa a realidade? Me fiz esta pergunta várias vezes ao ler a história contada por um narrador imaginário que trata-se, na verdade, de um dos companheiros de Soledad, sobrevivente que escapou, por sorte, da chacina (aquela que ficou conhecida como a chacina da chácara São Bento) e, 37 anos depois, pelas mãos de Urariano, recria os fatos, a partir de suas lembranças. Dialogando com o leitor e promovendo reflexões, nosso contador de histórias cria essa impressão, fazendo com que, muitas vezes, sua voz se confunda com a do próprio autor.

Sem dúvida, é um romance para ler, deleitar-se e, depois disso, refletir. Refletir sobre a frieza de Anselmo em delatar os companheiros, entregá-los à morte e falar sobre isso, anos mais tarde, sem a menor demonstração de culpa ou arrependimento; refletir sobre nossa história; sobre sentimentos que estiveram (e ainda estão) fortemente presentes; sobre as perdas humanas (muitas, até hoje, anônimas e sem justiça) e, principalmente, sobre o momento atual que é o reflexo de tudo isso; é a conseqüência (não sei se já posso dizer o desfecho) de nossa história. Mas, acima de tudo, devemos refletir sobre a idéia de que trabalhos como este, de Urariano, não são produzidos todos os dias, infelizmente. Não recebem seu devido valor pelas mídias nacionais, mas são poderosos instrumentos de conhecimento e sabedoria, além, é claro, de fonte de orgulho e prazer para nós, leitores, que sabemos da importância de se ter uma boa história nas mãos de um bom autor.

Passei semanas escrevendo este texto e deixei para ler outros artigos sobre Soledad no Recife após a conclusão do meu. Queria discorrer sobre tudo o que senti sem ser influenciada pelas demais opiniões. Mas percebi e fiquei feliz em ver que as opiniões são as mesmas, mudando apenas os ângulos de visão. Todos os que leram o livro e escreveram a respeito, enxergam Sol como a mártir de Urariano, como aquela que representa todas as vidas perdidas durante o período militar e, muitas, até hoje, esquecidas. Todos tiveram impressões parecidas e sentimentos aflorados (ódio, revolta, compaixão, ternura) com a grandeza realista e a coexistente sensibilidade do texto. Tenho certeza de que todos sentiram a mesma angústia e aperto no peito ao lerem o último capítulo, quando o narrador descreve a crueldade da execução dos jovens companheiros e de Soledad e denuncia a falsidade ideológica da imprensa (instituição controlada pelo poder vigente) nas manchetes dos jornais da época sobre o terrível genocídio – ao relatar que a polícia havia salvo o país de perigosos terroristas quando, na verdade, não passavam de jovens socialistas querendo se libertar das barbaridades militares. Sem dúvida, Soledad no Recife entrou para o grupo das melhores obras que já li e das quais mais indiquei a pessoas queridas e interessadas em boa Literatura. O texto é perfeito e isto é da mais real e absoluta sinceridade. Fez surtir um forte efeito em meu coração, o que me impulsionou ainda mais a escrever.

No mais, resta agradecer a Urariano pela produção de um cauteloso, sensível e maravilhoso trabalho, que nos promove a oportunidade de conhecer, documentar um importante período de nossa história e refleti-lo. Assim, divulgá-lo, incansavelmente, é o mínimo que podemos fazer para contribuir com o resgate da memória nacional e, claro, com o respeito aos que lutaram, avidamente, pela democracia. Acreditem: ainda que este não seja o país mais justo para se viver, ainda que não tenhamos mais o espírito guerreiro de lutar por mudanças, ainda assim, seremos pessoas bem melhores se formos capazes de olhar para a capa do romance de Urariano e irmos muito além da indignação pela realidade dos fatos, ao sentir a esperança de paz que nos é transmitida pelo brilho do sorriso largo de Soledad.

Salve, Urariano!!!

P.S: Soledad no Recife pode ser encontrado na Livraria Cultura de sua cidade!

Abraços a tod@s!

23 de abril - Dia Mundial do Livro

2009-04-23T11:30:00.000-07:00

O Letras & Arte parabeniza a todos os escritores e leitores pelo dia mundial do Livro!

Grande abraço.

Márcia de Oliveira

O Amor e o Tempo em Gabriel García Márquez

2009-04-11T13:39:00.000-07:00

No ano de meus noventa anos quis me dar de presente uma noite de amor louco com uma adolescente virgem. Lembrei de Rosa Cabarcas, a dona de uma casa clandestina que costumava avisar aos seus bons clientes quando tinha alguma novidade disponível. Nunca sucumbi a essa nem a nenhuma de suas muitas tentações obscenas, mas ela não acreditava na pureza de meus princípios. Também a moral é uma questão de tempo, dizia com sorriso maligno, você vai ver."

Este é o trecho inicial da obra Memória de Minhas Putas Tristes, de Gabriel García Márquez, livro que trouxe o colombiano Nobel de Literatura de volta às livrarias após um período de dez anos sem publicar. E, voltando em grande estilo, com as ontológicas memórias de um homem solitário que às vésperas de completar noventa anos resolve voltar à vida, baseando-a justamente naquilo que mais lhe faltara: o amor. Mais uma vez, Márquez centraliza suas reflexões no tempo, no tempo e na impotência (para não dizer ignorância) humana diante dele e, claro, no amor.

Nosso protagonista, um velho professor de Gramática castellana e cronista dominical do periódico El Diario de La Paz inicia suas memórias refletindo sobre a velhice, numa ânsia incontida por não saber como escrever sua crônica de aniversário que terá como tema os seus noventa anos:

"O tema da crônica daquele dia, é claro, eram os meus noventa anos. Nunca pensei na idade como se pensa numa goteira no teto que indica a quantidade de vida que vai nos restando. (...) Fazia meses que tinha previsto que minha crônica de aniversário não seria o mesmo e martelado lamento pelos anos idos, mas o contrário: uma glorificação da velhice".

Só para relembrar, em Cem Anos de Solidão (1967), o tempo também aparece como elemento importantíssimo das indagações do coronel Aureliano Buendía, um ermo e sensível pensador, que assim como todas as gerações de sua família é condenado a viver toda a vida, inexplicavelmente, fincado na mais devastadora solidão. Tal condenação, dizima gerações inteiras da família Buendía durante um século e eleva a obra ao mais alto patamar do chamado realismo fantástico.

Em O Amor nos Tempos do Cólera (1985 ), Florentino Ariza espera mais de cinquenta anos, contando os dias e as horas, pelo amor de Firmina, mulher por quem se apaixonara ainda na juventude, provando que nem mesmo o tempo pode ser uma barreira para o amor, pois "o verdadeiro amor é amor em qualquer tempo e em qualquer parte da vida".

Também nestas memórias do nonagenário professor-cronista, todos estes elementos marcantes da escritura de García Márquez recorrem e enriquecem o texto que ultrapassa a linha do poético-filosófico, numa imensidão de beleza e sensibilidade que afasta qualquer juízo moralizante ou mal pensamento do leitor diante da atitude do protagonista que deseja viver uma grande noite e um grande amor com uma menina pura. Suas intenções são as melhores, diz ele. E, de fato, o são, pois a jovem que recebe o fictício nome de Delgadina, além de idealizada como um anjo adormecido, tamanha é a sua candura, também recebe deste senhor, que passa a se preocupar com seu futuro e bem-estar material, o melhor tratamento que jamais recebera em toda a sua vida.

E este homem, que apesar dos seus noventa anos, ainda era um homem disposto e ativo para o trabalho, torna-se ainda mais disposto e invejavelmente feliz ao finalmente descobrir os encantos de um verdadeiro amor. Durante toda a sua vida, possuiu mulheres apenas para sua satisfação sexual, inclusive, pagava pelo prazer, mesmo para aquelas que não eram prostitutas. E agora, aos noventa anos, descobria que a vida sempre lhe preservara deste impagável bem e sentia que sua permanência na terra poderia se estender por mais cem anos e que sua velhice jamais seria um problema, contanto que não lhe faltasse amor.

E a velhice é mesmo algo que só percebemos quando as primeiras manifestações externas se tornam visíveis. Dores musculares, rugas, cabelos brancos, cansaço anunciam que a aurora da vida já escorreu por entre nossos dedos faz tempo, mas nunca pensamos que a velhice é um ciclo que se vive desde o momento em que se nasce e que ela pode mesmo e deve ser glorificada, já que a vida é algo tão raro. Gabriel García Márquez nos faz perceber isso da forma mais sublime e genial. O protagonista e filósofo procura enxergar a velhice não como os anos passados que não voltam mais, mas como a vida aproveitada, como as lições aprendidas com a vivência e o passar dos anos. E é assim que a vida deve ser, penso. Um constante aprendizado de como envelhecer, de como aproveitar bem o tempo neste grande, misterioso e bagunçado planeta azul que é a Terra.

(É bom estar de volta!!!)

Márcia de Oliveira. ●๋•☆

Machado de Assis: 100 anos depois, e o Humanitismo

2008-10-02T07:59:00.000-07:00

Márcia de Oliveira

No último dia 29 completaram-se 100 anos da morte de Joaquim Maria Machado de Assis. Este famoso carioca, mulato, gago e epilético que, apesar das dificuldades ofertadas pela vida, conseguiu se tornar um dos maiores gênios da literatura nacional, com textos que surpreendem até hoje, principalmente, por sua atualidade.

Esta semana, Machado foi notícia. O centenário de sua morte foi lembrado pelos principais jornais impressos e pelos telejornais de todo o país. Todos deram espaço à importância do texto machadiano para a literatura e para a cultura brasileira. O Jornal da Globo (29/09/08) anunciou: "100 anos após sua morte, Machado ainda é tão atual". O Caderno 3 do Diário do Nordeste (28/09/08) disse: "Machado: clássico, logo atemporal". De fato, a atualidade dos temas e o avanço temporal de Machado são indelevelmente indiscutíveis. Os aspectos políticos, econômicos e a visão progressista tecnológica de seus textos trazem o nosso bruxo do Cosme Velho a uma atualidade já retratada e prevista por ele no passado.

Seus romances, marcados por acentuada crítica social, irreverência e ironia, transformaram o autor de Dom Casmurro num dos maiores ecritores brasileiros, mas o que pouca gente sabe é que Machado cultivou com excelência vários outros gêneros literários. Contos, novelas, poesia, teatro e, principalmente, crônicas. Foi como cronista que Machado iniciou sua carreira literária, dedicando aproximadamente 40 anos de sua vida (apenas!) à produção de crônicas em folhetins. Para quem não sabe, os folhetins eram partes dos jornais dedicadas exclusivamente ao entretenimento dos leitores, onde eram publicadas não só crônicas, mas também novelas, contos, etc.

O carioca Machado foi um dos maiores cronistas que o Brasil já teve. Porém, como suas crônicas eram extremamente voltadas à crítica política e davam violentas alfinetadas na sociedade brasileira da época, e por ser a crônica historicamente considerada pela crítica literária um gênero menor, várias séries de crônicas como A Semana e Balas de Estalo foram esquecidas pela historiografia literária. Assim, o nosso envolvente Dr. Semana (um de seus pseudônimos nas crônicas) não se tornou tão conhecido pelos leitores da atualidade quanto Bentinho (Dom Casmurro), Brás Cubas, Capitu e Conselheiro Ayres, todas personagens inesquecíveis de seus romances.

Como leitora, não preciso dizer que sinto verdadeiro fascínio pelas personagens do realismo machadiano. No entanto, há uma, em especial, que me causa profundo deleite e curiosidade. Talvez até mesmo pelo seu ligeiro esquecimento por parte dos leitores em relação a outras personagens mais vistas. Seu nome é Quincas Borba.

O filósofo Quincas Borba, cuja trajetória começa no romance Memórias Póstumas de Brás Cubas e termina em um romance intitulado por seu próprio nome, é conhecido por ser o inventor da filosofia denominada Humanitismo. Quincas era um homem esquisito, solitário, tido como maluco e que herdou a herança de um tio. Seu único companheiro era um cão de estimação a quem deu-lhe o próprio nome, tamanho era o apreço que lhe tinha.

E como toda filosofia, o Humanitismo possuía um princípio: o Humanitas. Era este princípio que Quincas Borba utilizava para explicar o seu próprio nome posto em um cão:

-Desde que Humanitas, segundo a minha doutrina, é o princípio da vida e reside em toda a parte, existe também no cão, e este pode assim receber um nome de gente, seja cristão ou muçulmano...

-E se eu morrer antes, como presumo, sobreviverei no nome do meu bom cachorro.

O Humanitismo é o remate das coisas, afirma Quincas Borba. E o Humanitas é o princípio.

-Há nas coisas todas certa substância recôndita e idêntica, um princípio único, universal, eterno, comum, indivisível e indestrutível - ou, para usar a linguagem do grande Camões:

Uma verdade que nas coisas anda,

Que mora no visíbil e no invisíbil.

-Pois essa substância ou verdade, esse princípio indestrutível é que é Humanitas. Assim lhe chamo porque resumo o universo, e o universo é o homem. (Quincas Borba, p.19).

Através deste princípio, Quincas Borba explica a inexistência da morte. Para ele, o encontro de duas expansões, ou a expansão de duas formas pode determinar a supressão de uma delas. Portanto, não há morte; há apenas vida, pois a supressão de uma é a condição de sobrevivência da outra. E, seguindo a mesma linha de raciocínio, o filósofo destaca ainda o caráter benéfico e conservador da guerra. Segundo ele, a guerra é a conservação das substâncias. Não há exterminado. Desaparece um fenômeno, uma expansão, mas a substância é a mesma. E o lema da guerra é: "ao vencido, ódio ou compaixão; ao vencedor, as batatas". Numa analogia mais atual: ao 3º mundo, ódio ou compaixão; aos EUA, as batatas!

Pois é, meus amigos do Letras & Arte, mas com Humanitismo ou sem Humanitismo, um fato intrigante é que Quincas Borba, apesar de título, não é o protagonista da obra. Peripécias do nosso querido bruxo! O romance conta a história de Rubião, um professor humilde, porém interesseiro, que vê em sua amizade com o filósofo Quincas a possibilidade de ascender socialmente. Quincas Borba adoece e não tem parentes vivos; somente o cachorro. Ao morrer, deixa seus bens para o amigo Rubião como recompensa por seus cuidados. Em contrapartida, exige que Rubião cuide do cachorro (Quincas Borba), pois caso se desfaça do animal, perde todo o direito de receptor da herança. E Rubião, obviamente, faz a vontade do amigo. Fica com o cachorro e muda-se de Barbacena (cidade onde morava Quincas Borba) para o Rio de janeiro, capital imperial, onde passa a levar uma vida abastada (como sempre sonhou), respirando os sofisticados ares da corte. Lá, conhece pessoas influentes, esbanja, oferece jantares aos amigos, se apaixona por Sofia (mulher de seu amigo Palha, não sendo porém correspondido), faz negócios mirabolantes e acaba perdendo tudo o que tem. Na mais completa miséria, enlouquece. Passado algum tempo, volta com o cachorro para Barbacena. Desprovido de posses, perambula pela cidade, passa fome e sede, toma chuva, adoece e morre. Ironicamente, antes de morrer, grita o lema da guerra: ao vencedor, as batatas!

O Humanitismo trata-se de uma filosofia materialista, em muitos momentos contraditória, e pouco existencial. De forma irônica e irreverente, Machado acentua forte crítica social e provoca uma reflexão no leitor. Segundo o escritor José Castello, Machado de Assis, assim como todo grande escritor, é um pensador do mundo. Não é filósofo, não é teólogo, não é cientista. Mas existe um caminho de pensar o mundo, que é a Literatura, que não tem nada a ver com esses campos, mas produz pensamento.

Na Literatura não existem verdades universais; existem interpretações, reflexões que devem ser formuladas pelo próprio leitor, a partir do que encontra de mais significativo no texto. Machado não é o tipo do escritor que deixa lições; apenas provoca reflexões.

A filosofia humanitista de Quincas Borba é apenas o retrato da real filosofia humana, cuja ganância e o desejo de ascenção social, supervalorizam as pessoas pelo que possuem e não pelo que realmente são. A maior riqueza da escritura de Machado é justamente extrair grandeza das pequenas coisas. O seu apego às coisas menores da vida cotidiana, aparentemente mais desprezíveis, sem significado, das quais ele sabia extrair um imenso valor, com sua sensibilidade e inteligência.

Machado de Assis é mais que um escritor; é um pensador da existência. E existir é existir no mundo, no erro, na miséria, na ignorância. Os temas escolhidos por Machado, segundo José Castello, não são os grandes temas, os mais elevados, os mais sublimes; mas os pequenos temas, aqueles que nos infernizam e nos fazem tomar decisões na vida.

Ser humano é ser imperfeito. E Machado sabia disso quando compôs um dos seus mais intrigantes personagens: o filósofo Quincas Borba. Ao afirmar que Humanitas é o homem porque este é a representação do universo, o filósofo põe em choque o homem e o seu verdadeiro ser.É exatamente essa visão tão real do mundo que faz da obra de Machado uma obra viva até hoje, tão viva quanto nos séculos XVIII ou XIX. Essa reflexão sobre valores humanos que nos cercam e que parecem tão simples, que nem mesmo prestamos muita atenção neles, faz do autor de Quincas Borba um pensador inigualável. Tanto Rubião quanto Quincas Borba foram vencedores. E o Humanitismo só veio provar que, segundo o princípio humano da guerra, ao final de tudo, ao vencedor, só restam mesmo as batatas.

Esse texto foi uma promessa que fiz aos leitores do Letras & Arte logo nas primeiras semanas de sua existência. Como promessa é dívida, ei-lo aqui! Espero que tenham gostado.

Gostaria então de terminar dizendo que aqui na minha cidade, no bairro Damas, existe uma rua chamada Machado de Assis. E lá, todos os moradores, assim como o escritor, têm muita história para contar...Porém, seriam necessários, pelo menos, mais uns cem anos para relatá-las! Vocês podem ficar sabendo de muitas delas em:

http://diariodonordeste.globo.com/materia.asp?codigo=575899

Grande abraço.

Psicanalisando-me

2008-09-24T09:43:00.000-07:00

*Paulino Vergetti

Disse-me, de mim para mim,

o tanto que não me existiam

essas minhas palavras.

Algum silêncio perturbador

foge dos meus lábios

e meu olhar nem sabe decerto

quem eu sou.

Se não me disfarço, viro eu máscara

e tudo o que eu for, saberão

e até o que nem sei de mim se fui um dia.

Falam-me por mim as outras palavras

que me saem de graça

até quando me calo e nada eu digo.

Disse-me eu de mim para mim um dia

que, para eu sorrir,

antes, deverei chorar calado.

******************************************************************************************************

Publicado em: http://recantodasletras.uol.com.br/

*Paulino Vergetti é um grande amigo e maravilhoso poeta alagoano. É o Letras & Arte divulgando as maravilhas do nosso Brasil!

Caetaneando um pouco...

2008-09-22T09:23:00.000-07:00

Márcia de Oliveira

Tropeçavas nos astros desastrada Quase não tínhamos livros em casa E a cidade não tinha livraria Mas os livros que em nossa vida entraram São como a radiação de um corpo negro Apontando para a expansão do universo Porque a frase, o conceito, o enredo, o verso (E, sem dúvida, sobretudo o verso) É o que pode lançar mundos no mundo. Tropeçavas nos astros desastrada Sem saber que a ventura e a desventura Dessa estrada que vai do nada ao nada São livros e o luar contra a cultura. Os livros são objetos transcendentes Mas podemos amá-los do amor táctil Que votamos aos massos de cigarro Domá-los cultivá-los em aquários Em estantes, gaiolas, em fogueiras Ou lançá-los pra fora das janelas (Talvez isso nos livre de lançarmo-nos) Ou - o que é muito pior - por odiarmo-los Podemos simplesmente escrever um: Encher de vãs palavras muitas páginas E de mais confusão as prateleiras. Tropeçavas nos astros desastrada Mas pra mim foste a estrela entre as estrelas...

(Livros, Livro, faixa 02)

...E como o Letras & Arte também é música, e música de qualidade, achei que não deveria deixar passar em branco o apreço que tenho por um dos CD’s de Caetano Veloso mais especiais dos últimos tempos e que tem tudo a ver com o Letras & Arte. Seu título é “Livro” e foi lançado pela Polygram em 1997. O baiano Caê, como é chamado pelos íntimos, apesar de cultivar hoje um estilo meio antagônico ao que mantinha nos tempos da Tropicália, de vez em quando, ainda volta à sua normalidade musical e nos presenteia com maravilhas da música popular brasileira. Gosto de sua musicalidade , de sua diversidade rítmica, de suas letras poéticas e sua linguagem rebuscada. Cada música de Caetano poderia ser considerada uma aula de Português. Figuras de linguagem, diversos elementos estilísticos e tempos verbais ligeiramente inusitados, unidos à presença de elementos da cultura popular brasileira, fazem do “Livro” um verdadeiro almanaque cultural do Brasil. Este é fatalmente um de seus melhores trabalhos musicais e acabou lhe rendendo um grammy de melhor álbum de world music em 1999.

Vem, eu vou pousar a mão no teu quadril Multiplicar-te os pés por muitos mil Fita o céu, Roda: A dor Define nossa vida toda Mas estes passos lançam moda E dirão ao mundo por onde ir. às vezes, tu te voltas para mim Na dança, sem te dares conta enfim Que também Amas Mas, ah! Somos apenas dois mulatos Fazendo poses nos retratos Que a luz da vida imprimiu de nós. Se desbotássemos, outros revelar-nos-íamos no carnaval. Roubemo-nos ao deus Tempo e nos demos de graça à beleza total, vem. Nós, Cartão-postal com touros em Madri, O corcovado e o redentor daqui, Salvador, Roma, Amor, Onde quer que estejamos juntos Multiplicar-se-ão assuntos de mãos e pés E desvãos do ser.

(Os Passistas, Livro, faixa 01)

Elementos culturais como o carnaval carioca e o carnaval baiano, traduzem-se através do cotidiano mais íntimo de personagens comuns, como um casal de passistas mulatos, por exemplo. O uso de verbos no futuro do pretérito faz da mistura do popular com o erudito uma verdadeira explosão auxiliada pelo ritmo de samba enredo. A presença de aliterações (marca característica de Caetano) produz rimas de efeitos estilisticamente originais.

Dividido em 14 faixas ecléticas, "Livro" traz a sonoridade ardente do samba de raiz, a calmaria da Bossa Nova e a rebeldia do rap. Traz ainda figuras de destaque na história mundial, como uma canção para Alexandre, o grande e um excerto do poema "Navio Negreiro", de Castro Alves, recitado belamente por Maria Betânia.

Outros artistas brasileiros também são lembrados nas páginas, ou melhor, nas faixas do Livro, como Tom Zé, Arrigo Barnabé, Tom Jobim, Arnaldo Antunes, Chico Science, todos misturados a uma letra doidevanas, que relata a mistura da cultura musical de diferentes décadas e regiões brasileiras, numa brincadeira pra lá de criativa e interessante. A música chama-se Doideca e é particularmente uma de minhas preferidas.

E para não esquecer, este álbum, que traz na bagagem a paixão deste ex-Tropicália por livros, é uma verdadeira preciosidade de sua discografia e um elemento sonoro indispensável aos ouvidos de todos os brasileiros. Como se trata de um álbum antigo, o preço está bem acessível e, por incrível que pareça, fácil de encontrar.

Aproveitem essa dica!

Abraço forte.

Visão de Clarice Lispector

2008-09-19T16:16:00.001-07:00

Carlos Drummond de Andrade

Clarice,

veio de um mistério, partiu para outro.

Ficamos sem saber a essência do mistério.

Ou o mistério não era essencial, era Clarice viajando nele.

Era Clarice bulindo no fundo mais fundo,

onde a palavra parece encontrar sua razão de ser e retratar o homem.

O que Clarice disse, o que Clarice

viveu por nós em forma de história

em forma de sonho de história

em forma de sonho de sonho de história

(no meio havia uma barata ou um anjo?)

Não sabemos repetir nem inventar.

São coisas, são jóias particulares de Clarice

que usamos de empréstimo, ela dona de tudo.

Clarice não foi um lugar-comum,

carteira de identidade, retrato.

De Chirico a pintou? Pois sim.

O mais puro retrato de Clarice

só se pode encontrá-lo atrás da nuvem

que o avião cortou, não se percebe mais.

De Clarice guardamos gestos.

Gestos, tentativas de Clarice sair de Clarice

para ser igual a nós todos

em cortesia, cuidados, providências.

Clarice não saiu, mesmo sorrindo.

Dentro dela

o que havia de salões, escadarias,

tetos fosforescentes, longas estepes,

zimbórios, pontes do Recife em bruma envoltas,

formava um país, o país onde Clarice

vivia, só e ardente, construindo fábulas.

Não podíamos reter Clarice em nosso chão

salpicado de compromissos. Os papéis,

os cumprimentos falavam

em agora, edições, possíveis coquetéis

à beira do abismo.

Levitando acima do abismo, Clarice riscava

um sulco rubro e cinza no ar e fascinava.

Fascinava-nos, apenas.

Deixamos para compreendê-la mais tarde.

Mais tarde, um dia... saberemos amar Clarice.

Publicado em : http://www.memoriaviva.com.br/drummond/poema060.htm

Ecos: abrindo gavetas...

2008-09-14T17:39:00.000-07:00

Márcia de Oliveira

Como já mencionado no texto anterior, orgulha-me muito o fato de ser amiga de alguém tão especial como Luiz de Almeida. Um ilustre habitante da bonita Piraju, no interior paulista, artista plástico, poeta, ensaísta, autor do blog Retalhos do Modernismo e de Ecos, uma coletânea de poemas que caiu em minhas mãos, purificando o meu espírito, e que vem gerando grandes transformações no meu modo de ver e pensar o mundo.

De antemão, peço desculpas a todos os meus outros amigos também poetas, escritores, jornalistas, pessoas que fazem deste blog um verdadeiro paraíso literário, que mais nos lembra um agradável banco de praça, onde podemos nos encontrar para sentar e conversar sobre aquilo de que mais gostamos: literatura. Não quero que pensem que, pelo fato de ainda não estarem aqui, são menos dignos de minha admiração, muito pelo contrário: nossas vozes sempre ecoarão juntas aqui neste grande sarau do Letras & Arte.

Peço permissão então para iniciar, junto com vocês, a abertura das surpreendentes gavetas de Luiz de Almeida, gavetas de onde ecoam gritos, desejos, histórias e longas noites insones de intensa produção literária.

Ecos traz seu primeiro capítulo, ou melhor, sua primeira gaveta intitulada Frutos I, que se inicia com uma máxima reflexão sobre a insônia: “Para o ignorante e/ou preguiçoso, a insônia é uma doença. Para o poeta e para o sábio, uma virtude”. Sem dúvida alguma, a noite, calada e obscura, sempre nos rendeu grandes poetas. Desculpem a minha insensibilidade, mas é muito bom saber que enquanto dormimos existe alguém pensando e transcrevendo esses pensamentos para o mundo real. Pensamentos, sentimentos que, ao serem transcritos, transformam profundamente o humano no sentido intrínseco do ser. Sublimação.

O primeiro eco retirado da gaveta apresenta e justifica todos os outros. Ecos, meus ecos são gritos que despertam, sacodem, repelem, acolhem; mas, acima de tudo, nos carregam para um infinito interior e nos fazem refletir sobre nós mesmos. Quantos de nós já não calamos algum grito? Quantos de nós já não engavetamos um sonho ou uma indignação?

Os gritos ecoados das gavetas de Luiz de Almeida são gritos que denunciam o peso do silêncio dos inocentes mortos, das crianças famintas, dos doentes, das mães desamparadas, das prostitutas, dos negros, dos órfãos...

Sua temática é a temática da realidade, das ruas das grandes cidades, dos bares, das fábricas, das favelas, das praças; do operário, da dona-de-casa, do analfabeto, do pobre, de toda a gente brasileira:

“(...) Ecos, meus ecos... Ecos da fome E da indiferença, Ecos da perambulação E da prostituição, Ecos da pobreza E da ignorância”.

Mas como sua poeticidade é infinitamente diversificada, outros elementos também se destacam, além dos temas sociais. O lirismo marcado pela presença da infinitude da noite, da solidão, com pequenas doses de naturalismo e uma linguagem às vezes metaforizada, às vezes limpa e clara.

“(...) Desacato e atrevimento é dizer que a noite é uma calada. Talvez e somente em alto mar, numa jangada”...(p.29)

“Um vazio melancólico, que entra e que sai. Uma tristemania, Que fica e que vai. Um grande silêncio É provado por alguém, Que deixa um alguém Sem ninguém, Só”. (p.33)

“(...) Uma pestana e uma acordada e, de repente, em sua frente, ela pelada e cheirando a suor e também muito aguardente”...(p.23)

“(...) E o enterro subiu a rua nua E desceu na sepultura escura”... (p.31)

E o fazer pensar, acompanhado do mais singelo lirismo, continua em todos os Frutos, em todas as gavetas do Ecos. Preciso confessar que ele já se tornou meu livro de poemas de cabeceira. É tão eloqüente, tão verdadeiro, tão puro, mesmo quando fala de coisas impuras, como a política no poema Politicagem (p.51):

"Um jogo que não tem regras E muito, muito menos verdades. São promessas infundadas, Nunca cumpridas. Falsidades e risos adulterados E sem vontade Crenças, muitas crenças... Inócuas. Palavras e idéias quase sempre falidas Injúrias e calúnias sempre formuladas. Esquece-se da vida do homem Que acaba sempre desmoronada, perdida... (...)o povo, sempre marginalizado, só lembrado por ser o eleitorado.

Depois, bem logo depois O esquecimento que foi por ele votado. (...)Passa-se um tempo e vêm novos eleitorados que serão novamente enganados. Os politiqueiros famintos, Famintos pelo voto e também A cada vez, mais e mais, Por tudo aquilo que os deixam Abonados".

Abro um parêntese para dizer que, numa época em que vivemos um período de eleições municipais, achei muito pertinente transcrever estes fragmentos do poema. Assim, podemos pensar juntos sobre tudo aquilo que estamos fazendo nas urnas eletrônicas e, sobretudo, naquilo que os políticos não fazem fora delas.

Mas, voltando às coisas boas da obra, é imprescindível dizer o quão notável é a vida do autor em cada poema, em cada palavra, em cada verso. Acho que ainda não mencionei a vocês que não tive o privilégio de conhecer Luiz de Almeida pessoalmente. Somos amigos sim, grandes amigos; só que virtuais. A distância física e geográfica não foi capaz de impedir uma relação fraterna e dileta como a nossa. Venho lendo os trabalhos de Luiz e me comunicando com ele através de missivas virtuais há mais ou menos uns dois anos. E confesso que tenho poucas amizades presenciais tão verdadeiras e agradáveis quanto esta.

Apesar de conhecê-lo pouco e há pouco, percebo nas entrelinhas do Ecos o quanto sua vida simples, interiorana, na pequena Piraju influencia sua literariedade. Seu amor pelas letras, pelas pesquisas literárias; seus momentos, sua vida familiar, cercada de amigos, de pessoas que o amam e, sobretudo de livros, dos livros que tão bem conserva em sua biblioteca são a fonte inspiradora da maior parte de seus frutos. Seus ecos, seus gritos pela justiça e o bem comum, provavelmente são oriundos de sua aproximação com a grande São Paulo, cidade que, apesar do caos social, também apaixona pela grandiosidade e por ser o berço da arte moderna brasileira, da Semana de Arte Moderna, realizada em 1922, uma das maiores paixões de Luiz de Almeida.

“Quando se ama alguém Nunca deve-se dizer: Te amo muito...de coração Se realmente ama, Deve-se dizer: Te amo muitíssimo... Com toda minh’alma. Não se pode esquecer que O coração pára e morre E a terra o consome. A alma...é imortal”. (p.117)

Só me resta dizer o quanto me sinto honrada de ser amiga deste grande escritor e de poder ter aberto para vocês uma parte de suas gavetas. Fico feliz de ter ajudado a apresentá-las ao mundo, pois gavetas como estas não devem permanecer fechadas e tão pouco seus ecos permanecerem calados. Gavetas abertas, gritos ecoados, almas libertas!

Parabéns, Luiz!

Um grande abraço a todos.

Apenas um grito

2008-09-08T15:13:00.000-07:00

(Márcia de Oliveira)

Outro dia, fui a uma escola da rede particular de ensino aqui de minha cidade tentar uma vaga de professora de Literatura (coisa que adoro!), mas acabei não ficando. Ainda bem!

O motivo é que a escola me pareceu um tanto quanto retrógrada, exploradora e coordenada por pessoas que não sabiam a diferença entre um camelo e um cachorro (rsrs). Aliás, esta escola era exatamente igual a muitas outras também particulares, também empresas, e não escolas.

Durante as muitas horas que o coordenador me fez esperar (só para me dizer um não), tive o prazer (ou não!) de conversar com outros professores que lá já trabalhavam e, alguns deles, apesar de já possuirem certa experiência, me pareceram tão ou mais iniciantes do que eu. Tenho pouca experiência em sala de aula, que se resume facilmente a dois estágios em escolas públicas e algumas aulas particulares que, de vez em quando, me arrisco a dar, e algumas vezes nem foram particulares, foram gratuitas mesmo, para quem não podia pagar.

Para a maioria das escolas isso é quase nada. E de fato o é. Frente a profissionais com 10, 15, 20 anos de experiência, realmente sou menos do que uma iniciante, uma reles aprendiz. Porém, cabotinismos à parte, sinto que tenho algo que muitos experts no assunto não têm: sensibilidade (ao lidar com pessoas) e vontade de aprender. Tudo isso unido a um forte desejo de mudar. Mudar a realidade na educação, tal qual ela anda.

Não gosto, por exemplo, do ensino de Literatura nas escolas, e me refiro à maneira como ela é repassada aos alunos, principalmente, aos alunos do ensino médio. Uma coisa mecânica, decoreba pura, totalmente ligada ao vestibular. A principal universidade do Ceará lança todos os anos uma lista com 10 títulos de obras literárias e sempre uma ou duas delas poderão ser aplicadas na prova de Língua Portuguesa. No entanto, o que eles acreditam estimular nestes alunos a leitura e o prazer de conhecer um pouco mais de nossa Literatura, produz neles um efeito completamente oposto. Primeiro, porque estes alunos (ou pelo menos a maioria deles) só têm em mente um único propósito: a aprovação, o ingresso na universidade pública que, apesar dos pesares, ainda é a melhor. Segundo, porque as obras indicadas pouco estão relacionadas à realidade de leitura deles. Acredito que menos da metade dos candidatos ao vestibular leiam 10 livros por ano. E se alguém me provasse que eles lêem pelo menos um, já me deixaria contente. Não critico exatamente as obras escolhidas, mas o contexto em que elas são inseridas na vida destes jovens, que não passam de leitores em formação, leitores em potencial, que ali naquele momento de suas vidas, não terão o tempo necessário e o prazer de degustar o apetitoso prato que é a leitura.

As aulas nos cursinhos e escolas de ensino médio contribuem para que os alunos saibam de tudo o que está nos livros e de toda a vida dos autores sem que precisem fazer algo que, para eles, não tem a menor importância: ler as obras. Resumos, TD's, aulões específicos e várias outras ferramentas de improviso da leitura, que é deixada de lado por estes profissionais que também têm em suas mentes um forte objetivo: levantar seu nome e o nome da instituição de ensino de onde sairá aquele aluno aprovado nos vestibulares mais concorridos do país.

Esta é a nossa política educacional de incentivo à Literatura: alunos que memorizam informações que lhes são dadas de mão beijada e não formuladas em suas cabeçinhas através de processos cognitivos; obras que são lidas sem o menor prazer literário, sem nem mesmo um objetivo da leitura propriamente dita que não seja a aprovação. "Não tiraremos nada daqueles livros que contribua para o crescimento humano, apenas conseguiremos passar no vestibular". Esta é a mentalidade.

A leitura de nossas obras literárias não deveria ser foco principal apenas na época do vestibular, deveria ser um hábito desde a decodificação das primeiras letras. Ler deveria ser como tomar água e escovar os dentes, coisas que precisamos fazer todos os dias, não necessariamente pela obrigação, mas por sabermos que aquilo só nos fará bem. Se acordo e não tomo água, passo o dia todo com sede, com desejo de água; se não escovo os dentes, sinto que algo está faltando, que algo não vai bem comigo. O mesmo deveria acontecer quando não lemos pelo menos uma página de um livro por dia. Deveríamos sentir sede, fome, mal-estar, a sensação de que algo não vai bem.

Bem, mas voltando à escola, onde eu estava há alguns dias tentando ocupar uma vaga de professora. Durante quase uma manhã inteira que fiquei lá, conversei com alguns professores. Um deles, me agradou bastante. Era jovem, simpático, agradável, estava ministrando aulas lá há pouco tempo, havia algumas semanas. Era professor de Química e iniciamos uma conversa, por incrível que pareça, acreditem, sobre Literatura! Eu estava acompanhada por um amigo que, assim como eu, se formou em Letras e, quando o professor de Química chegou, estávamos falando sobre Literatura. Comentávamos minha decepção com a Literatura focada no vestibular, a falta de hábito de leitura nos brasileiros, etc, etc. O químico se apresentou e começou a participar da conversa. Inicialmente, foi bastante agradável, concordava conosco em tudo. Na metade da conversa, meu amigo se esquivou e deixou a prosa rolar solta só comigo e o meu mais novo amigo químico. Estava tudo muito bem, concordávamos um com o outro, descobrimos que havíamos lido muitas obras em comum, que gostávamos de autores em comum, ele me deu muita força dizendo que com certeza a escola iria me contratar e meu amigo fazia sinal com os olhos como que insinuando o início de uma paquera. Apesar das brincadeirinhas, não me constrangi, estava levando a discussão a sério. Então, para a mudança de rumo da prosa, o professor de Química falou algo que me entristeceu bastante. Disse que não gostava de Literatura brasileira regional, que leu João cabral de Melo Neto e não gostou, que não gostava do Patativa do Assaré, que não entendia porque tínhamos de nos orgulhar de um cara que só escrevia besteiras e falava errado. Houveram alguns instantes de silêncio após estas afirmações. Fiquei perplexa. Havia escrito há poucos dias um texto sobre o Patativa e a cultura nordestina aqui no Letras & Arte. Como um cara que era nordestino e, inicialmente, me pareceu gostar tanto de Literatura, não apreciava a própria cultura? O meu silêncio me desesperava, porque fazia-o acreditar que eu concordava com tudo aquilo, mas eu estava decepcionada. Fiquei pensando se deveria ou não iniciar mais uma discussão, agora com pontos de vista tão divergentes. Será que valeria a pena? Será que eu, em poucos minutos, conseguiria mudar uma opinião que possuía certamente anos, décadas de formação? Antes que eu me decidisse, o coordenador finalmente me chamou e eu fui até à sala dele. Ele me disse objetivamente que precisava de uma professora mais experiente, que apenas os estágios não me valiam muito. E, ao sair de lá, após duas decepções consecutivas, fiquei pensando em tudo aquilo. O coordenador queria uma professora de Literatura experiente. Eu não tinha experiência com o magistério, mas tinha experiência com a leitura. Um bom professor não precisa necessariamente de experiência, mas de conhecimento e amor pelo que faz. Meus pais nunca foram professores e me ensinaram as melhores coisas da vida: o amor, a educação, o respeito ao próximo, lições que nunca esquecerei. De fato, fiquei aliviada, e dei graças a Deus por não ter ficado lá. Não me sentiria bem em trabalhar em uma escola em que o coordenador não sabe o que é ser professor, não sabe o que é Literatura e contrata professores apenas pelo que está escrito em seu currículo, e não pelo que vê em seus olhos durante as entrevistas.

Estou lendo um livro maravilhoso chamado Ecos, obra-prima de um escritor que vive em Piraju, interior de São Paulo e de quem eu tenho um imenso orgulho de ser amiga. Seu nome é Luiz de Almeida, e o Ecos é, na verdade, "um grito em prol da justiça e do bem comum", como ele mesmo o definiu na dedicatória que me fez. Este texto que vocês lêem agora também é um grito, é um grito meu, que retorna através de um sonoro eco incontido nestas palavras, clamando por mudanças. Mudanças no sistema educacional brasileiro, em nossa política, em nossa maneira de ver o mundo e as pessoas, mudanças em nossa mente, em nosso coração...

Precisamos compreender e aceitar o fato de que uma nação sem cultura, sem sabedoria é uma praia sem mar, um beco sem saída. João cabral de Melo Neto não é uma leitura chata para quem sabe ler; Patativa não falava besteiras e nem escrevia errado, apenas escrevia do jeito que falava, do jeito que sabia. E sabia muito! Bem mais do que muitos intelectuais que vivem nas cidades, vão à universidade de carro, se trancam em salas com ar condicionado e ainda reclamam da vida. Patativa não cantava suas poesias, gritava-as! Seus gritos também têm ecos, como os de Luiz de Almeida. Denunciam o sofrimento do povo nordestino, a miséria, a falta de trabalho, de educação e o esquecimento por falta dos governantes. Este meu grito, este meu eco que agora vocês ouvem, denuncia a nossa falta de sabedoria, a nossa falta de amor à cultura genuína de nossa terra que, antes mesmo de ser nordestina é, sobretudo, brasileira.

Esta semana, vi um programa de TV sobre Literatura numa emissora local. O tema abordado no programa era a Padaria Espiritual no Ceará, um movimento cultural do século XIX que deixou nosso estado conhecido nacionalmente e que muita gente hoje em dia sequer ouviu falar. Sua importância para a nossa literatura (pois foi um movimento que, apesar de polivalente nas modalidades artísticas que dele participaram, contribuiu de forma mais densa para a Literatura, pois a maioria de seus padeiros era composta de escritores) foi grandiosa e já foi tema de outro texto do Letras & Arte que vocês podem conferir mais abaixo. Os participantes debatedores do programa eram a diretora da Academia Cearense de Letras, Regina Pamplona Fiúza e meu ex-professor de Literatura Cearense da Universidade Federal do Ceará, Sânzio de Azevedo. Tudo corria bem, até que o apresentador do programa anunciou uma matéria feita nas ruas com o povo cearense em que perguntavam se essas pessoas conheciam a Padaria espiritual. As respostas foram mirabolantes, uma mais absurda que a outra. Fiquei chocada! Mas claro que sei que a culpa de tudo isso não é somente nossa. Tudo bem, acho que o interesse em conhecer é muito importante e deve partir sim de cada um, mas é claro que o nosso sistema de ensino tem a obrigação de nos colocar diante de nossa literatura, de nossa história. As escolas focalizam muito pouco a história do Ceará e a literatura produzida aqui. Na verdade, não era para ser nenhum espanto ouvir da boca de um cidadão cearense que a padaria espiritual é uma avenida de Fortaleza, visto que nossas escolas não contribuem muito para o nosso próprio conhecimento. Tirando a pequena parcela da população que habita os corredores dos cursos universitários, sobretudo os de Letras e de História, pouquíssimo sabemos sobre nós mesmos.

E é por isso que estou aqui, trazendo meu grito, meu eco para estremecer junto com vocês, a uma só voz:

Mudanças, pelo amor de Deus!

Patativa do Assaré...

2008-08-18T09:19:00.000-07:00

(Márcia de Oliveira)

O nome desta ave característica das caatingas nordestinas tornou conhecido em todo o Brasil (e até fora dele também) o poeta cearense Antonio Gonçalves da Silva, o Patativa do Assaré, nascido a 05 de março de 1909 na serra de Santana, pequena propriedade rural do município de Assaré, ao Sul do Ceará. É o segundo dos cinco filhos de Pedro Gonçalves da Silva e Maria Pereira da Silva, progenitores de uma família simples e batalhadora, que sempre lutou para sobreviver em meio às dificuldades climáticas e políticas do sertão nordestino.

Analfabeto de pai e mãe, "sem saber as letra onde mora", como diz em um de seus poemas, Patativa abandonou os estudos na 4ª série, alegando ser a escola totalmente sem importância; pois, segundo ele, "a professora falava muita besteira". Menino pobre, perdeu o pai aos oito anos de idade e desde então teve que ganhar a vida e garantir o sustento de sua família trabalhando com a enxada, na roça, de sol a sol.

Conhecido como o poeta da oralidade, do canto nordestino, Patativa prova que sua pouca instrução não lhe desproviu de expressar sua verdade interiror através da poesia. Seus versos, marcados pela oralidade, cantam a existência e denunciam injustiças sociais, propagando a consciência e perseverança do povo nordestino, que enfrenta a miséria e as mazelas da seca:

"Eu sou de uma terra que o povo padece

Mas não esmorece e procura vencer.

Da terra querida, que a linda cabocla

De riso na boca zomba no sofrê

Não nego meu sangue, não nego meu nome.

Olho para a fome , pergunto: que há?

Eu sou brasileiro, filho do Nordeste,Sou cabra da Peste, sou do Ceará."

Mesmo com sua facilidade em compor versos rimados desde menino, o velho Patativa nunca quis ganhar dinheiro em cima de seu dom. Compunha e apresentava seus versos aos amigos ou aos vizinhos em praças ou teatros, sem cobrar nada por isso. Para ele, a música e a poesia eram diversão, "apenas para passar o tempo". E por falar em tempo, passou toda a sua vida morando na mesma casinha simples de Santana, município de Assaré. Mesmo quando foi apresentado ao Brasil inteiro pelo cantor e compositor também cearense Raimundo Fagner, Patativa continuou mantendo a sua origem simples de homem do sertão.

Gravou discos, fez shows, participou de recitais e teve até um documentário em película produzido pelo cineasta Rosemberg Cariri, que falava sobre Patativa e a cultura nordestina. Seus poemas em cordéis foram publicados ocasionalmente por pesquisadores, músicos e amigos, em parcerias com pequenos selos tipográficos e hoje são considerados verdadeiras relíquias para colecionadores e amantes da Literatura.

"Sinhô Dotô não se enfade

Vá guardando essa verdade

E pode crê, sou aquele operário

Que ganha um pobre salário

Que não dá para comer."

A toada-aboio "Vaca Estrela e Boi Fubá", que narra a saudade da terra natal e do gado foi sucesso do 1º disco, A Terra é Naturá, em versão gravada por Luiz Gonzaga e logo depois por Fagner no LP "Raimundo Fagner", de 1980:

"Eu sou filho do Nordeste, não nego o meu naturá

Mas uma seca medonha me tangeu de lá pra cá

Lá eu tinha o meu gadinnho, num é bom nem imaginar

Minha linda Vaca Estrela e o meu belo Boi Fubá.

Quando era de tardezinha eu começava a aboiar".

Outro ponto marcante do mesmo disco é o poema Antonio Conselheiro, que narra a saga do messiânico desde os dias iniciais em Quixeramobim até a batalha final no Arraial de Belo Monte em Canudos. Patativa, com sua verve poética, reproduz fielmente a tradição das histórias orais contadas em rodas e mantidas pelos violeiros e repentistas do nordeste brasileiro.

Sempre perguntavam a Patativa o que ele achava do progresso, dos novos meios de comunicação. Em resposta a uma destas perguntas, ele canta suas autênticas convicções sobre o aparelho de tv:

"Toda vez que eu ligo ele

No chafurdo das novela

Vejo logo os papo é feio

Vejo o maior tumaré

Com a briga das mulhé

Querendo os marido alheio

Do que adianta ter fama?

Ter curso de Faculdade?

Mode apresentar programa

Com tanta imoralidade?!"

É ou não é para a gente se orgulhar? :)

Com sua saúde abalada desde os 91 anos de idade em virtude de uma queda e a memória já ficando comprometida, Patativa parou de compor versos. E como ele próprio explicou: "já disse tudo que tinha de dizer". No dia 08 de julho de 2002, Patativa morre, aos 93 anos, na sua terra natal, deixando um importante legado poético-literário para a cultura brasileira e uma imensa saudade no coração do povo cearense.

Salve Patativa!

2008-08-17T18:01:00.000-07:00

“Gosto dos venenos mais lentos! Das bebidas mais fortes!

Dos cafés mais amargos! Tenho um apetite voraz.

E os delírios mais loucos.

Você pode até me empurrar de um penhasco que eu vou dizer: E daí? Eu adoro voar!"

Descoberta do Mundo - Clarice Lispector

Syntagma

2008-07-18T13:36:00.000-07:00

(Márcia Oliveira)

Sim, ainda há vida inteligente no atual cenário da música brasileira!...

No Ceará, um grupo de músicos se reuniu em 1986 com a proposta de resgatar a sonoridade da música antiga ( medieval, renascentista e barroca) e uní-la à música nordestina contemporânea. O resultado dessa mistura foi o Grupo Syntagma, hoje formado por nove músicos instrumentistas, liderados pelo cearense Heriberto Porto.

Com uma proposta musical essencialmente instrumental, o Grupo Syntagma vem conquistando, a cada dia, seu espaço no mercado sonoro e na cena cultural cearense. Os músicos possuem uma vasta agenda e se apresentam em ambientes que valorizam a democracia da arte, como o Centro Cultural do BNB, o Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura e outras localidades do estado que também promovem festivais culturais.

Embalados pela belíssima sonoridade das flautas, pelo acompanhamento de instrumentos antigos clássicos, como o cravo, a viola-da-gamba e o contrabaixo acústico, e pelo ritmo de Luiz Gonzaga e outros compositores nordestinos, o Syntagma faz jus ao nome que tem, pois busca unir elementos da cultura popular e da cultura erudita que se harmonizam como complementos de uma unidade maior: a música!

É interessante observar a preocupação dos músicos em demonstrar a gênese de cada uma das peças tocadas. No espetáculo, entre um movimento e outro, há sempre uma sintética explanação sobre a autoria e a história da composição, sem esquecer a literariedade de cada peça, pois elas sempre expressam um sentimento, uma subjetividade do autor, que é facilmente sentida pelo público, o que torna o grupo ainda mais brilhante e original.

Tive o privilégio de ver, pela primeira vez, este grupo excepcional se apresentar na última quinta-feira (17/07) no Centro Cultural do BNB de Fortaleza. A apresentação foi gratuita e faz parte de um festival de música instrumental que teve início no último dia 16 e irá até o dia 02 de agosto. Outros músicos tão bons quanto os do Syntagma deverão se apresentar por lá nos próximos dias. A iniciativa é perfeita: levar música de qualidade às camadas mais simples da população, e o Letras & Arte não poderia ficar alheio e nem deixar você de fora desta idéia!

Já estava com saudades! :)

Abraço a todos.

2008-06-22T17:00:00.000-07:00

(Praça do Ferreira - Século XIX)

"Na sala, uma moça esguia/recorta papeis de cor,/fazendo uma ninharia;/dorme um cão no corredor./e embaixo um nédio gatinho/Olha para o passarinho/como quem diz: - Si eu te apanho!..."(Antônio Sales)

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Segue abaixo o Programa de Instalação da Padaria Espiritual, movimento cultural cearense precursor das academias de letras em terras brasileiras...

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1) Fica organizada, nesta cidade de Fortaleza, capital da "Terra da Luz", antigo Siará Grande, uma sociedade de rapazes de Letras e Artes, denominada Padaria Espiritual, cujo fim é fornecer pão de espírito aos sócios em particular, e aos povos, em geral.

2) A Padaria Espiritual se comporá de um Padeiro-Mór (presidente), de dois Forneiros (secretários), de um Gaveta (tesoureiro), de um Guarda-livros na acepção intrínseca da palavra (bibliotecário), de um Investigador das Coisas e das Gentes, que se chamará Olho da Providência, e demais Amassadores (sócios). Todos os sócios terão a denominação geral de Padeiros.

3) Fica limitado em vinte o número de sócios, inclusive a Diretoria, podendo-se, porém, admitir sócios honorários que se denominarão Padeiros-livres.

4) Depois da instalação da Padaria, só será admitido quem exibir uma peça literária ou qualquer outro trabalho artístico que for julgado decente pela maioria.

5) Haverá um livro especial para registrar-se o nome comum e o nome de guerra da cada Padeiro, sua naturalidade, estado, filiação e profissão a fim de poupar-se à Posteridade o trabalho dessas indagações.

6) Todos os Padeiros terão um nome de guerra único, pelo qual serão tratados e do qual poderão usar no exercício de suas árduas e humanitárias funções.

7) O distintivo da Padaria Espiritual será uma haste de trigo cruzada de uma pena, distintivo que será gravado na respectiva bandeira, que terá as cores nacionais.

8) As fornadas (sessões) se realizarão diariamente, à noite, à excepção das quintas-feiras, e aos domingos, ao meio-dia.

9) Durante as fornadas, os Padeiros farão a leitura de produções originais e inéditas, de quaisquer peças literárias que encontrarem na imprensa nacional ou estrangeira e falarão sobre as obras que lerem.

10) Far-se-ão dissertações biográficas acerca de sábios, poetas, artistas e literatos, a começar pelos nacionais, para o que se organizará uma lista, na qual serão designados, com a precisa antecedência, o dissertador e a vítima. Também se farão dissertações sobre datas nacionais ou estrangeiras.

11) Essas dissertações serão feitas em palestras, sendo proibido o tom oratório, sob pena de vaia.

12) Haverá um livro em que se registrará o resultado das fornadas com o maior laconismo possível, assinando todos os Padeiros presentes.

13) As despesas necessárias serão feitas mediante finta passada pelo Gaveta, que apresentará conta do dinheiro recebido e despendido.

14) E proibido o uso de palavras estranhas à língua vernácula, sendo, porém, permitido o emprego dos neologismos do Dr. Castro Lopes.

15) Os Padeiros serão obrigados a comparecer à fornada, de flor à lapela, qualquer que seja a flor, com excepção da de chichá.

16) Aquele que durante uma sessão não disser uma pilhéria de espírito, pelo menos, fica obrigado a pagar no sábado café para todos os colegas. Quem disser uma pilhéria superiormente fina, pode ser dispensado da multa da semana seguinte.

17) O Padeiro que for pegado em flagrante delito de plagio, falado ou escrito, pagará café e charutos para todos os colegas.

18) Todos os Padeiros serão obrigados a defender seus colegas da agressão de qualquer cidadão ignáro e a trabalhar, com todas as forças, pelo bem estar mútuo.

19) É proibido fazer qualquer referência à rosa de Maiherbe e escrever nas folhas mais ou menos perfumadas dos álbuns.

20) Durante as fornadas, é permitido ter o chapéu na cabeça, exceto quando se falar em Homero, Shakespeare, Dante, Hugo, Goethe, Camões e José de Alencar porque, então, todos se descobrirão.

21) Será julgada indigna de publicidade qualquer peça literária em que se falar de animais ou plantas estranhos à Fauna e à Flora brasileiras, como: cotovia, olmeiro, rouxinol, carvalho etc. 22) Será dada a alcunha de "medonho" a todo sujeito que atentar publicamente contra o bom senso e o bom gosto artísticos.

23) Será preferível que os poetas da "Padaria" externem suas idéias em versos.

24) Trabalhar-se-á por organizar uma biblioteca, empregando-se para isso todos os meios lícitos e ilícitos.

25) Dirigir-se-á um apelo a todos os jornais do mundo, solicitando a remessa dos mesmos à biblioteca da "Padaria".

26) São considerados, desde já, inimigos naturais dos Padeiros - o Clero, os alfaiates e a polícia. Nenhum Padeiro deve perder ocasião de patentear seu desagrado a essa gente.

27) Será registrado o fato de aparecer algum Padeiro com colarinho de nitidez e alvura contestáveis.

28) Será punido com expulsão imediata e sem apelo o Padeiro que recitar ao piano.

29) Organizar-se-á um calendário com os nomes de todos os grandes homens mortos, Haverá uma pedra para se escrever o nome do Santo do dia, nome que também será escrito na Ata, em seguida à data respectiva.

30) A "Avenida Caio Prado" é considerada a mais útil e a mais civilizada das instituições que felizmente nos regem, e, por isso, ficará sob o patrocínio da Padaria,

31) Encarregar-se-á um dos Padeiros de escrever uma monografia a respeito do incansável educador Professor Sobreira e suas obras.

32) A "Padaria" representará ao Governo do Estado contra o atual horário da Biblioteca Pública e indicará um outro mais consoante às necessidades dos famintos de idéias.

33) Nomear-se-ão comissões para apresentarem relatórios sobre os estabelecimentos de instrução pública e particular da Capital relatórios que serão publicados,

34) A Padaria Espiritual obriga-se a organizar, dentro do mais breve prazo possível, um Cancioneiro Popular, genuinamente cearense.

35) Logo que estejam montados todos os maquinismos, a Padaria publicará um jornal que, naturalmente, se chamará O Pão.

36) A Padaria tratará de angariar documentos para um livro contendo as aventuras do célebre e extraordinário Padre Verdeixa.

37) Publicar-se-á , no começo de cada ano, um almanaque ilustrado do Ceará contendo indicações uteis e inúteis, primores literários e anúncios de bacalhau.

38) A Padaria terá correspondentes em todas as capitais dos países civilizados, escolhendo-se para isso literatos de primeira água.

39) As mulheres, como entes frágeis que são, merecerão todo o nosso apoio excetuadas: as fumistas, as freiras e as professoras ignorantes.

40) A Padaria desejaria muito criar aulas noturnas para a infância desvalida; mas, como não tem tempo para isso, trabalhará por tornar obrigatório a instrução pública primada.

41) A Padaria declara desde já guerra de morte ao bendegó do "Cassino".

42) É expressamente proibido aos Padeiros receberem cartões de troco dos que atualmente se emitem nesta Capital.

43) No aniversário natalício dos Padeiros, ser-lhes-á oferecida uma refeição pelos colegas.

44) A Padaria declara embirrar solenemente com a secção "Para matar o tempo" do jornal "A Republica", e, assim, se dirigirá à redação desse jornal, pedindo para acabar com a mesma secção. 45) Empregar-se-ão todos os meios de compelir Mané Coco a terminar o serviço da "Avenida Ferreira".

46) O Padeiro que, por infelicidade, tiver um vizinho que aprenda clarineta, pistom ou qualquer outro instrumento irritante, dará parte à Padaria que trabalhará para pôr termo a semelhante suplício.

47) Pugnar-se-á pelo aformoseamento do Parque da Liberdade, e pela boa conservação da cidade, em geral.

48) Independente das disposições contidas nos artigos precedentes, a Padaria tomará a iniciativa de qualquer questão emergente que entenda com a Arte, com o bom Gosto, com o Progresso e com a Dignidade Humana. Amassado e assado na "Padaria Espiritual", aos 30 de Maio de 1892, Seguem-se as assinaturas dos padeiros presentes, em número de dezoito, faltando, portanto, duas assinaturas.

A Padaria Espiritual no Ceará e Sua Contribuição à Literatura Cearense

2008-06-20T08:21:00.000-07:00

(Márcia Oliveira)

Como filha legítima da Terra da Luz, achei que o Letras & Arte não poderia deixar de mostrar a vocês, leitores, um pouco de nossa cultura literária. Por isso, aqui vai um dos momentos mais originais e mais importantes da Literatura Cearense: os seis anos de existência da Padaria Espiritual, um dos grupos literários de maior repercussão de nossa história. Deliciem-se à vontade!

Fundada em 30 de maio de 1892, a Padaria Espiritual consistiu em uma agremiação cultural das mais importantes de nossa história obtendo, inclusive, forte repercussão nacional. Caracterizada por sempre florescer em torno de grupos literários, a Literatura Cearense recebe uma significativa contribuição no que diz respeito à arte e à intelectualidade do século XIX.

O grêmio de intelectuais formado por escritores, pintores, desenhistas e músicos foi representado por sua heterogeneidade, não só nas diversas artes, mas também nas diversas idéias e correntes estéticas em que mergulhou. Dela participaram nomes como: Antônio Sales (fundador e idealizador do programa de instalação), Adolfo Caminha, Lívio Barreto, Lopes Filho, Raimundo Teófilo de Moura e muitos outros. Todos os sócios, ou melhor, todos os "padeiros" assinavam seus textos com pseudônimos, assim Antônio Sales era Moacir Jurema, Adolfo Caminha era Félix Guanabarino, Lívio Barreto era Lucas Bizarro e, ao longo de toda a sua jornada, foram 34 autores,cada um com um pseudo-nome específico.

Além de contar com um divertido e criativo programa de instalação, formado por 48 artigos que expressavam seu pensamento e objetivos, a Padaria contou com a ativa participação de Antônio Sales que, com sua veia publicitária enviou o programa de instalação para os mais renomados escritores do eixo Rio-São Paulo da época, sempre pedindo a eles adesão na colaboração do periódico O Pão, uma espécie de jornal que era "impresso", ou melhor, "amassado" semanalmente pela Padaria. Esta atitude de Sales deu certa notoriedade ao movimento em todo o país, fazendo do Ceará uma referência literária nacional.

Irônicos e irreverentes, os participantes possuíam em seus títulos a nomenclatura hierárquica das padarias reais: o padeiro-mor (presidente), os forneiros (secretários), o gaveta (tesoureiro), os padeiros (sócios) e o forno (sede oficial da Padaria). Também traziam no peito o lema: "alimentar com pão e espírito todos os sócios e a população em geral".

Toda a ironia e irreverência da Padaria se justificava por seu objetivo primordial: criticar a sociedade burguesa e as instituições que mantinham seu poderio ideológico, uma vez que os padeiros eram, em sua maioria, oriundos das camadas média e baixa da população e se mostravam descontentes com a classe burguesa, dentre outras coisas, por seu exacerbado apreço pela cultura européia.

Em um dos itens de seu programa de instalação declaram seu desprezo pelos estrangeirismos presentes nas nossas obras literárias, permitindo apenas os neologismos do Dr. Castro Lopes, médico e gramático que inventava palavras exóticas como "runimol" para substituir os francesismos da língua como "avalanche", por exemplo. Esse forte caráter nacionalista também se reflete na proibição do uso de termos referentes à fauna e à flora estrangeiras em nossa Literatura. Tal característica repercutiu no fato de muitos historiadores e críticos literários enxergarem na Padaria Espiritual uma espécie de prenúncio do Modernismo, que trouxe esta como uma de suas principais preocupações, quase trinta anos mais tarde, na Semana de Arte Moderna, em 1922. No entanto, sabemos que o Modernismo só se consolidou efetivamente em terras cearenses na década de 40 com o grupo Clã.

Saudosistas, os padeiros procuravam resgatar a Fortaleza de aspectos naturais e simplórios de outrora. Estavam cansados das repetições excessivas e dos clichês literários, como a Rosa de Malherbe, por exemplo.Além de proibir o uso de qualquer referência a este poema, também proibiam os outros padeiros de escreverem nas folhas perfumadas dos álbuns femininos, uma característica considerada essencialmente burguesa nas mulheres da época. Também fizeram violentas críticas à construção de um enorme cassino no Passeio Público, que fora comparado a um meteoro caído na Bahia e alcunhado de "monstrengo" pelos padeiros.

Agraciada por seu humor e identidade próprios, a Padaria existiu durante 6 anos, passando por duas fases: a primeira, de 1892 a 1894, considerada a fase da pilhéria, do humor escrachado; a segunda, de 1894 a 1896 (quando de seu término em dezembro), apesar de mais séria e compenetrada, não fugiu completamente ao seu humor característico.

Sérios ou bem-humorados, os padeiros não perderam, em nenhum momento, a sua ousadia e nem por isso deixaram de fazer poesia. Apesar de inferiorizados quando comparados aos intelectuais da Academia Francesa, não foram menos talentosos ou menos expressivos. Os padeiros de Antônio Sales, que iniciaram sua agremiação com pequenas reuniões no instinto Café Java da Avenida Ferreira (hoje Praça do Ferreira), juntos, durante seis anos, representaram o que houve de mais criativo, inovador e significativo para a cultura cearense.

A (Des)construção da Identidade e o Deslocamento Antropológico em Ensaio Sobre a Cegueira, de José Saramago

2008-06-06T09:14:00.000-07:00

(Márcia Oliveira)

Em um lugar não identificado, um homem em seu carro, parado no sinal, não consegue dar a partida quando a luz verde se acende e, lá de dentro, clama por socorro, pois acabara de ficar cego subitamente. Enquanto muitos motoristas buzinam reclamando do trânsito que, devido ao ocorrido, ficara tumultuado, algumas pessoas vão até o carro ajudar o pobre homem que grita estar cego. Uma mulher, não identificada, tenta acalmá-lo dizendo que pode ser apenas um problema de nervos e sugere chamar uma ambulância. O cego pede que apenas o levem para casa, para junto de sua mulher. Um homem se aproxima e, gentilmente, se oferece para levá-lo. Ele aceita e os dois seguem para o seu apartamento. Lá, o tal homem se oferece para fazer-lhe companhia enquanto sua esposa não chega do trabalho. O cego diz que não precisa, que ficará bem; agradece ao homem e este vai embora. Mais tarde, quando do retorno da esposa, os dois descem para ir a uma clínica à procura de um profissional que o examine e descobrem que o carro havia sido roubado pelo gentil sujeito que o trouxera para casa. Desesperados com a cegueira, os dois seguem de táxi até à clínica. A mulher, com muito cuidado, segue o trajeto inteiro segurando a mão do marido. Na clínica, o paciente descreve sua cegueira como sendo uma brancura luminosa, como um mar de leite; uma luz que se acende. O médico se espanta com a falta de explicação para a cegueira abrupta, solicita alguns exames e pede que o paciente retorne a casa, prometendo estudar com cuidado seu caso. À noite, ao dormir o homem da cegueira branca sonha que está cego...

Parece que Saramago não quer sair mesmo das páginas do Letras & Arte. Este maravilhoso mago das Letras portuguesas se infiltrou em minha vida e tem me mostrado coisas que nunca sonhei ver. Em seu magnífico Ensaio Sobre a Cegueira, obra a qual se refere ao resumo do primeiro capítulo o texto aí em cima, o "mestre Sara" abre nossos olhos para o mundo real que nos cerca e que nos negamos (até de forma inconsciente) a enxergar. Além de uma evidente continuidade da identidade de sua escritura no que diz respeito aos aspectos formais, estilísticos e conteudísticos, logo neste 1º capítulo, o que mais atrai a atenção do leitor é a súbita cegueira de um homem desconhecido que, ao esperar a abertura do sinal verde dentro de seu carro, encontra-se impedido de dar a partida por estar completamente cego. Sua cegueira é completamente incomum, pois se trata de um fato repentino e sem explicação científica ou aparente. Sem falar que o pobre homem não passa a viver as trevas da escuridão; mas as trevas da brancura, uma vez que sua cegueira possui um branco luminoso e assemelha-se a um mergulho num mar de leite, o que a difere muito da cegueira convencional. Em seguida, durante toda a obra, todos vão cegando, inexplicavelmente, um a um; exceto a mulher do médico, o homem que atendeu em seu consultório o primeiro cego.

Do ponto de vista estilístico, a questão da identidade, muito recorrente em todos os romances de José Saramago, também é frisada aqui, de uma forma um tanto quanto diferente de Memorial do Convento, texto postado anteriormente, principalmente no que diz respeito ao nome (símbolo da identidade individualizada). Em Memorial do Convento, o signo do nome está muito associado à idéia de perpetuação da vida. Quando Blimunda diz a Baltasar que “pronunciar o nome de alguém é uma forma de mantê-lo vivo”, além da vida física, ela se refere também ao poder da palavra, que torna eterna tanto a verdade quanto a mentira.

No entanto, neste Ensaio Sobre a Cegueira, Saramago prima por manter uma identidade aberta; coletiva (a critério do leitor). O fato de não nomear as personagens nos faz refletir que elas podem ser, na verdade, qualquer um.

O leitor é levado para um inusitado e criativo universo ficcional, onde experimenta, a cada página, a dolorosa trajetória dos cegos no romance, que já se inicia em um lugar não identificado, em um tempo não mencionado, que só é passível de reconhecimento de sua modernidade devido à presença de alguns elementos que a denotam, como: os carros, os semáforos, a faixa de pedestre, todos sinais que configuram um cenário urbanizado e moderno de uma cidade ocidental qualquer.

A Literatura, para Marc Augé, é uma das maiores formas de expressão cultural de um povo, e busca referências em uma espécie de “lugar antropológico”, que confere ao homem uma identidade, define a sua relação com o meio e o situa em um contexto histórico. Com a quebra dessa referência espaço-tempo-identidade, Saramago torna seu Ensaio Sobre a Cegueira um espelho, onde o leitor pode mirar-se e refletir sobre seu papel, enquanto cidadão do mundo, na construção da sociedade e das relações humanas. Não nomear os cegos (que vão cegando um a um) é uma maneira de universalizar a experiência abrangendo todas as pessoas. O primeiro grupo de cegos é levado pelas autoridades sanitárias a uma espécie de isolamento dentro de um manicômio desativado. Lá, são informados de que estão sozinhos. Não há um governo, não há um estado que se responsbilize por seus direitos e deveres. Tudo deve partir dos próprios cegos. E eles passam a se organizar dentro de um novo modelo social. Sentem a necessidade de se organizar hierarquicamente e elegem o médico para se responsabilizar pela manutenção da ordem, do equilíbrio e começam a viver com o mínimo, somente com o essencial à sobrevivência, o que nos parece uma maneira de nos fazer refletir sobre os problemas advindos de nossa falha organização social capitalista, assim como também uma maneira de nos mostrar a tentativa de um novo modelo organizacional, desta vez, semelhante ao modelo socialista marxista.

A descrição de Saramago sobre a cegueira também é um elemento intrigante e indispensável à compreensão da obra, principalmente, no momento em que, no consultório médico, o primeiro homem a cegar define a sua cegueira da seguinte forma: “é como uma luz que se acende”. (1995: p.22). Tal definição antecipa metaforicamente a todos nós, leitores e “cegos”, que o que pensávamos ser a visão, pode ser, na verdade, a própria cegueira.

O médico, representante da visão científica (e como é interessante falar de visão num ensaio sobre a cegueira!), intrigado com a inexplicável cegueira, reflete sobre a possibilidade de se tratar de um caso específico de agnosia que, segundo o Dicionário Aurélio, vem do grego agnosía e significa falta de conhecimento; perturbações dos órgãos sensoriais que impedem o doente de reconhecer a natureza e a significação das coisas em geral, a nível auditivo, visual ou táctil. Seria então a cegueira a ausência de conhecimento? Fechar os olhos para a realidade grotesca do mundo em que vivemos e pensar que este é o melhor dos mundos não é uma espécie de comodismo que nos leva à alienação? O ensaio pode ter sido escrito por Saramago, mas a reflexão fica a nosso critério. Este me parece o intuito primordial da escritura do autor de Todos os Nomes. E, por falar em nomes, não esqueçam da máxima que diz: "dentro de nós há uma coisa que não tem nome. Essa coisa é o que nós somos". Dentro do manicômio as pessoas não se apresentam pelos nomes, aliás, há um momento em que a mulher do médico diz: "é como se temessem dar-se a conhecer um ao outro". Os cegos são identificados por suas profissões ou pela maneira como cegaram, mas nunca por seus nomes. De fato, lá dentro os nomes não têm nenhuma importância. O que vemos ali é um novo modelo de organização social, onde todos têm que aprender a conviver com as diferenças e perceber que, na verdade, são todos iguais. Não há um governo, um estado; apenas um grupo de cegos vivendo talvez a parte mais dolorosa de sua trajetória: a descoberta do eu e do outro.

Além de sua já consagrada arqueologia verbal e da ausência de uma pontuação lógica, Saramago utiliza descrições substancialmente metafóricas (como a descrição da cegueira) que promovem fortes reflexões no leitor. Sua habitual ironia também marca presença logo no 1º capítulo, quando o paciente (cego) pergunta ao médico: “(...) e deverei seguir algum tratamento, tomar algum remédio, Por enquanto não lhe receitarei nada, seria estar a receitar às cegas. Aí está uma expressão apropriada, observou o cego”. (1995: p.24).

Também merece destaque a visão "saramaguiana" da mulher como um ponto de equilíbrio, sensibilidade e sabedoria. Não só aqui, mas em toda a sua obra, Saramago transforma a mulher em uma espécie de condutor que usa a intuição para guiá-lo à verdade. A excessiva visão, bem como a sensibilidade feminina auxiliam o autor no percurso da narrativa e o tornam onipresente e onisciente em sua obra. É como se graças às mulheres o mundo ainda não estivesse completamente perdido. A mulher enxerga aquilo que os outros não conseguem enxergar, assim como a mulher do médico é a única que não perde a visão, a única que, diante do caos, não perde o equilíbrio e a sensibilidade, pois em toda a história acompanha o marido no intuito de protegê-lo, de afagá-lo. Deve ser díficil ser a única que tem olhos numa terra de cegos!Também dentro do manicômio há a prostituta, que ampara maternalmente um garotinho estrábico que fora contaminado pelo "mal-branco" no consultório do médico. Esta visão sabiamente materna que Saramago tem da mulher está muito ligada à sua mãe, à sua avó e, sobretudo, à sua esposa, Pilar, uma mulher trinta anos mais jovem com quem vive há vinte e um anos e acredita que sem ela (sem sua doçura e sabedoria) não seria o homem que é hoje.

Mais uma vez impera a reflexão crítica do ponto de vista histórico-social na Literatura. Saramago, com sua Literatura socialmente interessada, não mede esforços para promover a reflexão de que precisamos abrir os olhos diante da cegueira inconsciente que nos possui. Compreender que nossa "visão" é cega "às claras" já é um primeiro passo para se chegar ao conhecimento da real necessidade de mudança humana, cada vez mais desencorajada em nosso mundo. Em recente entrevista ao Jornal da Globo, Saramago declarou que se pudesse voltar no tempo e reescrever sua história desde a sua infância, a escreveria exatamente como foi, sem mudar nada. Com toda a pobreza, a pouca comida, o sofrimento, os pais e avós analfabetos, tudo seria fielmente reproduzido; pois, para ele, foi este período doloroso e simples de sua vida que o fez enxergar as diferenças sociais, a pureza da simplicidade e ter essa visão crítica da realidade que hoje deposita de forma tão reveladora em suas obras. E assim como os cegos da caverna de Platão, os cegos de Saramago também reconhecem que chegar ao conhecimento é algo sempre muito doloroso.

Nota: O filme Blindness, baseado na obra Ensaio Sobre a Cegueira e dirigido pelo brasileiro Fernando Meirelles, foi recentemente premiado em Cannes e deve chegar às telas brasileiras em setembro deste ano. Vale a pena conferir uma produção cujo roteiro é baseado em um texto de originalidade inigualável e dirigida por um brasileiro genial. Recomendo! Assista agora ao vídeo da reação de Saramago ao ver o filme, pela 1ª vez, ao lado do diretor Fernando Meirelles:

http://www.youtube.com/watch?v=Y1hzDzAvJOY

O Contexto Econômico Português Refletido em Memorial do Convento, de José Saramago:

2008-05-27T13:06:00.000-07:00

(Márcia Oliveira)

O romance Memorial do Convento, de José Saramago representa um avanço no campo da narrativa histórica. A obra perpassa um período de aproximadamente trinta anos da história de Portugal à época da Inquisição. Nela, Saramago critica Portugal do século XVIII que, apesar de ser um país rico e abundante, submete seu povo à miséria e à exploração. Suas personagens encontram-se distribuídas entre o luxo e o requinte da corte e a pobreza e simplicidade da vida popular.

Os principais acontecimentos giram em torno dos protagonistas padre Bartolomeu Lourenço de Gusmão, um homem que, apesar de religioso, não corresponde às injustiças do Santo Ofício e dedica toda a sua vida à realização do sonho libertador de construção da passarola, aeróstato que irá sobrevoar o mundo de ponta a ponta; Baltasar Sete-Sóis, um ex-soldado de guerra que tem na sua pouca instrução e simplicidade grandes reflexos da sabedoria humana e sua Blimunda Sete-Luas, mulher de exagerada visão que pode enxergar através do corpo e das coisas. A visão de Blimunda é a janela de Saramago que o possibilita enxergar a história do século XVIII com todos os seus deslizes morais, políticos e religiosos, época marcada, principalmente, pelo cumprimento da promessa do rei D. João V de construir um enorme convento em Mafra, caso a divina providência lhe concedesse um herdeiro para o trono.

A obra nos mostra que o governo de D. João V foi caracterizado pelos gastos exagerados, pelos excessos com as importações e exportações (em especial o ouro vindo do Brasil e o trigo da Irlanda), por suas construções megalômanas (como o convento de Mafra), por sua austeridade e vaidade e, principalmente, pela exploração e miséria a qual submetia o povo.

Tudo o que era extraído das colônias apenas transitava pela Metrópole. O povo não usufruía as mercadorias que, em sua maioria, eram vendidas sob altos preços e repassadas a outros países como exportação. Saramago deixa clara a sua visão crítica à falência de uma política de navegação fundamentada na exploração colonial e na ausência de uma política de fixação interna em Portugal.

Utilizando um certo mascaramento de vozes como recurso estilístico em sua fala, além de uma fina ironia, o narrador denuncia os excessos com os carregamentos de trigo vindos da Irlanda que, apesar de suficientemente abundantes para alimentar toda a população portuguesa, não evitavam a falta do pão, alimento indispensável à vida, sobre a mesa do povo lusitano:

“Levar este pão à boca é gesto fácil, excelente de fazer se a fome o reclama, portanto alimento do corpo, benefício do lavrador, provavelmente maior benefício de alguns que entre a foice e os dentes souberam meter mãos de levar e trazer e bolsas de guardar, e esta é a regra. Não há em Portugal trigo que baste ao perpétuo apetite que os portugueses têm de pão, parece que não sabem comer outra coisa, por isso os estrangeiros que cá moram, doridos das nossas necessidades, que em maior volume frutificam que sementes de abóbora, mandam vir, das suas próprias e outras terras, frotas de cem navios carregados de cereal”. (2007: p.56)

Segundo Roland Barthes, “a escrita romanesca tem por função colocar a máscara e, ao mesmo tempo, apontá-la. Sendo assim, todo romancista articularia mentiras críveis, nas quais a sinceridade precisa de signos falsos para durar e ser consumida. O produto desta ambigüidade é justamente a escritura, o texto final”. (1971: p.47). Saramago utiliza suas máscaras estilísticas para apontar seus pontos de vista de forma crítica e argumentada. Um dos principais exemplos disso é justamente o constante teor reflexivo de seus narradores em toda a sua produção literária. Em Memorial do Convento, há várias reflexões sobre a justiça, sobre a loucura, sobre o sonho, além das críticas a instituições que se alimentam de relações distorcidas de poder, como a Igreja Católica, por exemplo. A Literatura de Saramago é uma Literatura socialmente interessada e não funciona só como um “espelho da realidade”. Saramago, convencido de que a arte é completamente necessária à sociedade, se conscientizou de que:

“O verdadeiro conteúdo da obra de arte torna-se o seu modo de ver e de julgar o mundo, sendo só assim, na medida em que transcende a falsa dicotomia entre forma e conteúdo, que ela mantém seu compromisso com a realidade”. (OLIVEIRA FILHO, 1990: p.142)

Toda a obra de Saramago reflete, de alguma forma, uma problematização entre história e ficção. Tal problematização é chamada por Linda Hutcheon de Metaficção Historiográfica (HUTCHEON, 1993: p.11), e tem por características a auto-reflexão e a apropriação de acontecimentos e personagens históricos. Esta marca na Literatura de Saramago a aproxima muito da Literatura Hispano-americana produzida por García Márquez e Alejo Carpentier, por exemplo.

Além de sua consagrada arqueologia verbal e de sua polifonia de vozes, o mestre Sara também utiliza outros recursos estilísticos interessantes para denunciar as falhas do Mercantilismo português, como a antecipação de acontecimentos futuros, observada no trecho:

“Tanto mais que se fala em próxima chegada de uma frota da Holanda carregada do mesmo gênero, mas desta virá a saber-se que a assaltou uma esquadra francesa quase na entrada da barra, e assim o preço, que ia baixar, não baixa, se for preciso deita-se fogo a um celeiro ou dois, mandando em seguida apregoar a falta que o trigo ardido já está fazendo, quando julgávamos que havia tanto e de sobra”. (2007: p.56-57)

Apesar de não ser o elemento central da narrativa, o contexto econômico português refletido na obra submete as personagens a vários conflitos. A vontade repressora do rei, oriunda de sua vaidade, ao iniciar as construções em Mafra, faz com que muitas pessoas, sem outras opções de ganhar a vida, trabalhem arduamente nas obras do convento, sacrificando-se e até mesmo morrendo em virtude das arriscadas condições de trabalho dificultadas pela imensidão da empreitada.

Ao contar a história dos operários que trabalharam em Mafra e nomeá-los, Saramago encontra uma maneira de registrar e dar voz aos homens que lutaram, se sacrificaram ou até mesmo morreram em nome de sua integridade, de seus sonhos e da busca de sua sobrevivência, e junto com a vontade do padre Bartolomeu de concluir o invento da passarola para ver como a terra é bela e imensa lá de cima fica clara a expressão da vontade humana de não mais se deixar oprimir e de não mais se deixar esquecer. A história tradicional que referia-se ao convento de Mafra como um grande feito realizado por D. João V agora se inverte: é contada sob o ponto de vista do oprimido; não sob o ponto de vista do opressor. O convento de Mafra tornou-se uma realização do povo heróico que sofreu e morreu para a sua construção e, devido ao controle burguês das fontes históricas, acabou esquecido entre as colunas. Em Memorial do Convento, Saramago recria a história e, através de uma nova linguagem, de uma árdua visão crítica e de um novo modelo ficcional, o povo deixa de ser coadjuvante e passa a ser sujeito histórico de seu tempo.

Referências Bibliográficas:

SARAMAGO, José. Memorial do Convento. 33ª edição.Rio de janeiro; Bertrand Brasil, 2007.
BARTHES, Roland. O Grau Zero da Escritura. Rio de janeiro; Bertrand Brasil, 1995.
OLIVEIRA FILHO, O.J.de. Saramago e a Ficção Latino-americana. Revista de Letras; São Paulo, 1990 n.30.p.141-152.
SILVA, Tereza Cristina Cerdeira da. José Saramago entre a História e a Ficção: uma saga de portugueses. Lisboa; Publicações Dom Quixote, 1989.

A Máscara

2008-04-18T12:15:00.000-07:00

Esta luz animada e desprendida
Duma longínqua estrela misteriosa
Que, vindo refletir-se em nosso rosto,
Acende nele estranha claridade...

Esta lâmpada oculta em nossa máscara
Tornada transparente e radiante
De alegria, de dor ou desespero
E de outros sentimentos emanados
Do coração dum anjo ou dum demônio...
Este retrato ideal e verdadeiro,

Composto de alma e corpo e de que somos
A trágica moldura, errando à sorte,
É ela, é ela, a nossa aparição,
Feita de estrelas, sombras, ventanias
E séculos sem fim surgindo, enfim,
Cá fora, sobre a terra, à luz do sol.

(Teixeira de Pascoaes)

Sim, amigos, tiremos as máscaras!

Comunicado!

2008-04-12T17:23:00.000-07:00

Olá, caros amigos do Letras & Arte,

Sei que estou em falta com vocês, pois há quase um mês não posto nenhum texto por aqui. Pois é, há um probleminha de falta de tempo mesmo. Fim de curso de graduação, sabe como é, né? Provas, seminários, beca, festa de formatura, etc...tudo isso me tomando o pouco de tempo que ainda me restava para esse filho querido.

Mas prometo que logo, logo o Letras & Arte voltará com força total, dentro de poucos dias. Imaginem que apenas estamos passando por uma pequena reforma (e estamos mesmo! Em breve vocês verão). Então, perdão pelo transtorno, leitores; estamos em obras para melhor serví-los!

Um grande abraço.

Márcia Oliveira.

Saramago: "De Como a Personagem foi Mestre e o Autor seu Aprendiz"

2008-03-15T08:23:00.000-07:00

Márcia Oliveira

Há uma relação significativa entre a proposta literária de José Saramago e a sua vida familiar. O autor de Jangada de Pedra e Ensaio Sobre a Cegueira demonstra, em toda a sua obra, ser um homem saudosista e de muita sensibilidade. Saramago prima por escrever sobre as pessoas que ama e que, de algum modo, participaram significativamente de sua vida.

Sua família parece estar sempre num altíssimo patamar desta categoria. Quando o mestre explica por que escrevera sobre seus pais e seus avós, diz: "Tive a consciência de que estava a transformar as pessoas comuns que eles haviam sido em personagens literárias e que essa era, provavelmente, a maneira de não os esquecer". O autor de Todos os Nomes deixa claro que escrever sobre as pessoas que o geraram é uma maneira de registrar uma fase importante de sua vida, assim como de demonstrar seu carinho e gratidão e também de eternizá-las no tempo.

Sua maneira de criar personagens é interessante e intensamente viva. No discurso "De Como a Personagem foi Mestre e o Autor seu Aprendiz", ele concebe que sempre aprende muito com suas personagens, e que tudo que elas o ensinam o faz um mero aprendiz de suas criaturas. Ao transformar seus pais e seus avós em presonagens literárias, ele os resgata e traz de volta ensinamentos que fizeram dele a pessoa que é hoje. Por isso, afirma ser o criador dessas personagens e, ao mesmo tempo, criatura delas.

Verdade é que todas as personagens citadas em seu discurso o proporcionaram muitas lições de vida. O Sr. Jerônimo (seu avô), por exemplo, ensina ao neto, o pequeno José, que o mundo, apesar de cruel, não é de todo mau. Há uma grande satisfação em se viver, em se afortunar da natureza, da simplicidade, do amor aos entes queridos...enfim, os avós de Saramago, apesar da simplicidade e de todo o sofrimento que viveram, sentiam pena de morrer, pena de deixar para sempre este mundo (aos seus olhos) tão belo.

Aprendeu também com o medíocre pintor de retratos, protagonista do Manual de Pintura & caligrafia, a quem designou H., um homem que o ensinou a honradez de reconhecer seus limites e de aceitar suas próprias raízes, o que efetivamente deu à Literatura de Saramago um caráter enraizado.

Depois, com os homens e as mulheres do Alentejo (mesma região de seus avós), no livro Levantado do Chão, Saramago afirma ter aprendido com esta gente humilde e sofrida a ser paciente, a confiar e a entregar-se ao tempo, que nos constrói e nos destrói; que nos deixa no chão e nos levanta de novo deste mesmo chão.

Em Que Farei com Este Livro? ele admira a coragem e a humildade de Camões em lutar por uma nação, escrever uma obra-prima e depois ser enjeitado por esta mesma nação que tanto ufanou heroicamente, morrendo anos mais tarde na mais completa miséria. Mas, ainda assim, depois de tantas decepções, Camões continuou a se preocupar com o futuro da Literatura nacional. Para Saramago, uma atitude digna de um verdadeiro mestre!

Com as estranhas personagens de Memorial do Convento, Saramago reflete, dentre outras coisas, a sua evolução no modo de pensar a questão do sonho. O sonho é o alimento da alma humana, é ele o combustível para se chegar a algum destino. "Sonhar é ser homem", como sabiamente diz o mestre Linhares Filho. O sonho do padre Bartolomeu Lourenço de terminar a construção da passarola e vê-la voar é o pão de sua própria alma. É a sustentação de sua vida.

Já com Fernando Pessoa (uma de suas maiores influências), entendeu o que era o espetáculo do mundo e resolveu escrever O Ano da Morte de Ricardo Reis. O heterônimo Ricardo Reis o fez entender que viver é assistir a um constante espetáculo, seja ele uma trajédia, uma comédia ou um drama. A vida é o maior espetáculo humano.

Na Jangada de Pedra, uma utopia: realizar o encontro cultural entre os povos peninsulares e os povos do outro lado do Atlântico, numa tentativa de reescrever a história.

Em síntese, é muito importante ressaltar a originalidade da proposta literária do mestre Saramago. Todas as suas personagens, seja reconstruindo a realidade, seja levando a realidade para o absurdo, não são simplesmente criadas por ele; elas, através de seus ensinamentos, é que o levam a ser quem ele é. Parabéns ao mestre!

14 de Março: Porque Todo Dia é Dia de Poesia...

2008-03-14T06:45:00.000-07:00

Uma poesia ártica,

claro, é isso que eu desejo.

Uma prática pálida,

três versos de gelo.

Uma frase-superfície

onde vida-frase alguma

não seja mais possível.

Uma lira nula,

reduzida ao puro mínimo,

um piscar do espírito,

a única coisa única.

Mas falo. E, ao falar, provoco

nuvens de equívocos

(ou enxame de monólogos?)

Sim, inverno, estamos vivos.

(Paulo Leminski)

Que a beleza e a simplicidade deste dia se repitam todos os dias...porque todo dia é dia de Poesia.

Homenagem do Letras & Arte ao Dia Nacional da Poesia

Romance: História e Sistema de um Gênero Literário

2008-03-09T13:34:00.000-07:00

Márcia Oliveira

O romance, forma literária pertencente ao gênero narrativo, vem sofrendo, durante os últimos três séculos, uma forte evolução no âmbito histórico e estrutural, contemplando a Literatura com diversas obras clássicas ao longo do tempo.

Por se tratar de uma espécie literária relativamente moderna, o romance não possui raízes greco-latinas; no entanto, pode-se considerá-lo uma das mais ricas criações artísticas das modernas literaturas européias.

De acordo com Vítor Manuel de Aguiar, já na Idade Média, o vocábulo "romance" designou primeiramente a língua românica, considerada vulgar por se tratar de uma língua originária do Latim vulgar e não do Latim clássico e já havendo sofrido profundas modificações em relação a este idioma. Só mais tarde é que a palavra "romance" passou a designar um estilo literário dotado de profundo sentimentalismo, inicialmente, narrado em verso e, posteriormente, em prosa.

Dependendo da importância dada ao personagem ou à ação, ou ao espaço, podemos ter: romance de costumes, romance psicológico, romance policial, romance regionalista, romance de cavalaria, romance histórico, etc. O romance de cavalaria opunha-se ao romance sentimental. Enquanto o primeiro compunha-se de bravos heróis dispostos a travar as maiores batalhas em nome de sentimentos nobres como o amor, o segundo tratava-se de um texto analítico do sentimento amoroso, podendo ter um cunho marcadamente erótico ou acentuadamente sentimental. Porém, ambos não passavam de textos essencialmente voltados para o público feminino, que tinha na Literatura sua principal fonte de entretenimento.

No período renascentista (século XVI) entra em voga o romance pastoril, forma narrativa marcadamente culta, na qual a prosa mescla-se com o verso, tendo como principal obra-prima do gênero a Diana, de Jorge de Montemor. Tal romance teve uma extensa irradiação na Literatura européia dos séculos XVI e XVII.

Mas é no século XVII que o romance passa a ter uma proliferação extraordinária. O romance barroco, semelhante ao romance medieval caracteriza-se pela imaginação exuberante, pelo excesso de aventuras excepcionais e inverossímeis, como náufragos, duelos, raptos, aparições de monstros, etc. E assim, através de longas e complicadas aventuras sentimentais, o romance passa a agradar, pelo menos em parte, o exigente público deste século.

No mesmo conceito de Literaturas européias desta época, ocupa um lugar privilegiado na criação romanesca a Literatura espanhola, tendo no Dom Quixote, de Miguel de Cervantes Saavedra sua principal representação. O texto revela uma crítica em formato de sátira aos romances de cavalaria, pois na visão de uma parte da sociedade européia o romance não constituía um texto literário ideal, dotado de verossimilhança. Segundo Huet, crítico literário francês do século XVII, o romance não passava de um estilo literário alienante, que distanciava o público da realidade, através de emoções fortes e devaneios excessivos, os quais não poderiam conviver com a vida factual.

Entretanto, quando no século XVIII o sistema de valores da estética clássica começa a perder sua homogeneidade e sua rigidez, e com o surgimento de um novo público detentor de poder aquisitivo e cultural - a burguesia - o romance conhece uma metamorfose e um desenvolvimento muito profundos, a ponto do francês Diderot não aceitar a identificação do romance anterior ao século XVIII e do novo romance deste mesmo século. Obras como Manon Lescault, de Prévost e o Werther de Goethe demonstram que o romance tornara-se incrivelmente penetrante, uma espécie de análise despudorada das paixões e dos sentimentos humanos.

O público cansara-se do caráter fabuloso e exigia das obras narrativas mais verossimilhança, mais realidade. Assim, com o surgimento do Romantismo, o romance, que já havia conquistado seu respeito e autonomia, sofre uma dilatação, um considerável aumento do seu público leitor. Essa dilatação atua como negativa na qualidade da produção romanesca, sugindo assim, novos tipos de romances, entre eles Romance negro ou de terror, que obteve uma forte aceitação no final do século XVIII e nas primeiras décadas do século XIX, constituindo uma das formas romanescas mais apreciadas pelo então dilatado público; e o romance em folhetins, caracterizado pelas numerosas aventuras descabeladas, pelo tom melodramático e pela freqüência de cenas emocionantes, mantendo vivo o interesse do público de folhetim para folhetim.

Por conseguinte, ainda com o Romantismo, a narrativa romanesca afirma-se decisivamente como uma importante forma literária, pronta para expressar não só aspectos pertencentes ao homem, mas também aspectos pertencentes ao mundo, seja em forma de romance histórico, psicológico, poético ou simbólico, não importa. O fato é que o romance assimilou com perfeição diversos gêneros literários e provou ser capaz de representar tanto aspectos da vida cotidiana quanto aspectos de uma atmosfera poética, e até mesmo a análise de uma ideologia, tornando-se uma das formas literárias mais importantes de sua época e transformando o século XIX no período mais brilhante de sua história.

Fonte: SILVA, Vítor Manuel de Aguiar e. Teoria da Literatura. Coimbra: Almedina, 1991.

Rosa

2008-03-08T16:49:00.000-08:00

Tu és divina e graciosa,

Estátua majestosa do amor

Por Deus esculturada

E formada com ardor

Da alma da mais linda flor

De mais ativo olor

Que na vida é preferida pelo beija-flor...

Se Deus me fora tão clemente

Aqui neste ambiente de luz

Formada numa tela deslumbrante e bela

Teu coração junto ao meu lanceado

Pregado e crucificado sobre a rósea cruz

Do arfante peito teu...

Tu és a forma ideal

Estátua magistral, oh alma perenal

Do meu primeiro amor, sublime amor

Tu és de Deus a soberana flor

Tu és de Deus a criação

Que em todo coração sepultas um amor

O riso, a fé , a dor

Em sândalos olentes, cheios de sabor

Em vozes tão dolentes como um sonho em flor

És láctea estrela

És mãe da realeza

És tudo enfim que tem de belo

Em todo resplendor da santa natureza

Perdão, se ouso confessar-te

Eu hei de sempre amar-te

Oh, flor, meu peito não resiste

Oh, meu Deus, o quanto é triste

A incerteza de um amor

Que mais me faz penar em esperar

Em conduzir-te um dia

Ao pé do altar

Jurar, aos pés do onipotente

Em preces comoventes de dor

E receber a unção da tua gratidão

Depois de remir meus desejos

Em nuvens de beijos

Hei de envolver-te até meu padecer

De todo fenecer...

(Pixinguinha)

Homenagem do Letras & Arte a todas as mulheres neste 08 de março de 2008!

Quadrilha

2008-03-07T10:54:00.000-08:00

João amava Teresa que amava Raimundo que amava Maria que amava Joaquim que amava Lili que não amava ninguém. João foi para os Estados Unidos, Teresa para o convento, Raimundo morreu de desastre, Maria ficou para tia, Joaquim suicidou-se e Lili casou com J. Pinto Fernandes que não tinha entrado na história.

(Carlos Drummond de Andrade)

A Presença e Outros Aspectos em O Barão, de Branquinho da Fonseca

2008-03-07T07:03:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

O Modernismo português tem início em 1915, com a fundação da revista Orpheu pelo grupo de escritores até então desconhecidos, como: Fernando Pessoa, Mário de Sá Carneiro, Raul Leal, Luís de Montalvor, Almada Negreiros e outros. Surge então o Orfismo, primeiro momento do Modernismo em Portugal. Em seguida, em 1927, chega, como uma espécie de 2º momento, o Presencismo, corrente que traz a sensibilidade e a originalidade do artista como os elementos mais importantes do processo de criação artística. Já no primeiro número da revista Presença, José Régio sintetiza o programa de atuação da revista em um artigo intitulado Literatura Viva, em que diz: "Em arte, é vivo tudo o que é original".

Além de primarem pela originalidade e sensibilidade, os autores da Presença acreditavam ter a arte uma única finalidade: a de produzir no público uma emoção tão misteriosa, tão particular e talvez tão complexa, chamada emoção estética. Para eles, de forma consciente ou inconsciente, a finalidade da obra era a finalidade estética. Entre os principais estão: José Régio, Miguel Torga, Antônio Botto, Adolfo Casais Monteiro, Irene Lisboa e o nosso querido Branquinho da Fonseca, de quem teremos a honra de falar agora.

Antônio José Branquinho da Fonseca, natural de Mortágua - Portugal, dedicou-se ao teatro e à poesia, mas foi na ficção, sobretudo no conto que atingiu uma posição de destaque na moderna Literatura Portuguesa. Sua obra-prima intitula-se O Barão, conto ou novela (como preferem alguns), em que sua capacidade de alegorização e seu talento para o mítico e para o onírico fluem, exacerbadamente, trazendo à tona o poético e o contraditório, o objetivo e o abstrato, o moderno e o medieval.

A Obra O Barão, conta a história de um inspetor escolar (o narrador-personagem) que é chamado à Serra do Barroso para fazer uma sindicância na escola primária da pequena vila. Lá, uma professora encontra-se à sua espera. Ela o apresenta ao Barão, que se prontifica a hospedá-lo em sua casa.

Ao conhecer o Barão, o inspetor observa-o detidamente. Suas palavras, seus gestos, seu ar de dono do mundo. Mas acaba descobrindo nele uma grande simpatia, uma espécie de encantamento que não é observado pelos habitantes da vila. Após saírem da hospedaria, os dois (inspetor e Barão) dirigem-se ao Castelo do Barão, sua residência. Um solar rústico, medieval, denso, que possui a atmosfera de um tempo perdido. O Barão vive neste castelo com vários cães de estimação e sua criada Idalina (a única personagem nomeada na história). É um homem contraditório. Tem um aspecto rústico, medieval, grosseiro, mas dedica todo seu carinho e atenção aos seus cães, que desmancham-se em alegria ao vê-lo.

Em seu castelo, o Barão bebe demasiadamente e conta ao inspetor muitas histórias, sem se quer se preocupar se estava sendo ouvido ou não. Conta, inclusive, a história de seu grande amor não correspondido por uma misteriosa mulher, a quem chama de Ela. Ao mencioná-la, o Barão deixa transparecer toda a sua emoção e chora. Depois, pede ao inspetor que o acompanhe, pois quer comprar flores para deixar na janela do castelo onde Ela vive. Diz que sua amada é a Bela Adormecida, uma princesa que dorme em seus sonhos e que para visitá-la precisa purificar sua alma com vinho branco. Após este ritual de purificação, os dois saem juntos e colhem rosas brancas para pôr na janela de Ela, mas no meio do caminho, durante a madrugada, o inspetor e o barão perdem-se um do outro. O inspetor adormece a ao amanhecer aluga um burro para voltar ao castelo. Chegando lá, descobre que o Barão levara um tiro no ombro e fraturara a cabeça, mas ainda assim o próprio Barão, embora ferido, consegue lhe contar que deixara uma rosa sobre a janela de sua amada.

A narrativa se encerra quando o inspetor anuncia que voltará a visitar o Barão e que o ajudará a depositar uma outra rosa na janela de seu único e grande amor, Ela, a bela adormecida.

Aspectos relevantes na obra:

1- A questão do herói em disponibilidade:

Segundo Antônio Quadros, o Barão pode ser considerado um herói em disponibilidade porque possui todas as qualidades de um herói, mas não o é. Porém, espera-se que a qualquer momento ele possa vir a praticar um ato heróico.

O inspetor, ao chegar na Aldeia e conhecer o Barão tem, inicialmente, uma imagem um tanto quanto negativa dele. Seu aspecto físico sugere uma potência, um certo primitivismo. ( a tendência para sugerir atmosferas, ambientes, personalidades, etc. constitui uma característica marcante em Branquinho da Fonseca). O Barão possui uma certa brutalidade, um ar de dono de tudo e todos se intimidam diante dele, mas o inspetor percebe que, apesar de tudo isso, o convívio harmonioso com o dono do Castelo não é impossível. Embora sua aparência rústica amedronte, o Barão é uma figura dócil, acolhedora e amável. Trata-se de um homem generoso, ingênuo e que confia muito nos outros. Confia tanto no inspetor a ponto de acolhê-lo em sua própria casa e de lhe fazer confissões como se fosse um amigo de longa data.

Mas durante toda a obra, a atitude do Barão que mais se aproxima de um feito heróico é quando ele, tomado pela embriaguez do vinho, se arrisca, escalando os muros de um castelo para deixar uma rosa branca (símbolo de pureza e louvor) na janela muito alta do quarto de sua amada, Ela. Tal atitude, em se tratando de uma pessoa rude e de sentimentalidade retraída como o Barão, é um ato de extrema bravura. O personagem corre todos os riscos em nome de sua sentimentalidade, em nome do seu amor por Ela, um amor impossível, desgraçado, aniquilador, que remete a outra história da Literatura Universal, Romeu & Julieta, de Shakespeare. Há, inclusive, uma passagem em que o Barão diz: "quando meu pai matou o pai dela, não foi só a ele que ele matou, mas a nós dois, a mim".

Este amor aniquilador, este amor de perda remete ainda a outras obras, como Amor de Perdição, do também português Camilo Castelo Branco e até na Literatura Brasileira temos uma referência, como no poema Quadrilha, de Carlos Drummond de Andrade, que também fala de amores impossíveis. Ainda nessa mesma linha, passemos ao segundo ponto a ser abordado na obra:

2- O Absurdo da Vida:

O absurdo da vida em O barão apresenta-se de várias maneiras: tanto nos episódios estranhos que preenchem a noite (a apresentação de uma tuna,festa medieval de dança semelhante aos jograis; um incêndio que acontece repentina e misteriosamente no quarto do Barão e o fato de o Barão não poder dar vasão aos sentimentos que nutre por Ela). Todos esses fatos dão a obra um certo ar de mistério e absurdo, criando-se uma atmosfera onírica.

Durante a leitura, o leitor se vê confuso, sem saber se tudo aconteceu mesmo ou se não passa de um sonho do inspetor (narrador). E ainda se pergunta sobre o que é exatamente a novela/conto O Barão. seria uma narrativa fantástica? realista? modernista?

Particularmente, vejo em O Barão uma história que mescla e distorce o real e o fantástico, mas que no fim justifica essa distorção da realidade através de um elemento muito simples: a embriaguez. Todos os acontecimentos absurdos podem muito bem ter sido frutos da embriaguez do narrador; da embriaguez do Barão também, mas principalmente da embriaguez do narrador, porque, afinal de contas, é ele quem conduz a história, quem dirige os fatos. O inspetor marca na obra a presença do autor.

3- O Medievalesco na Narrativa:

Outro aspecto importante e que é sugerido de duas maneiras na narrativa é a questão do medievalesco. Ocorre tanto na descrição de personagens como o Barão; quanto na descrição de ambientes físicos: o castelo/palácio onde o Barão vive e o castelo onde mora Ela, a Bela Adormecida.

O Barão é tido como um homem de aspectos medievais e primitivos por seu caráter antiquado, ultrapassado e inadaptado à sua época. Ele é medieval enquanto todos os outros são modernos, daí a ser chamado também de um personagem de exceção.

Esses foram os três aspectos de maior relevância na obra e que abordam quase todos os outros. Mas é claro que não posso deixar de dizer que o texto merece ser lido por vocês com bastante atenção para que nenhum elemento passe despercebido ou seja confundido com outro. Branquinho da Fonseca é um grande mestre lusitano na arte de sugerir. Sugere sua presença através do inspetor, sugere o medieval e sugere temas como a confissão e o encontro que, muitas vezes, se confundem com meras histórias de amor e desencontros. Só que em O Barão é justamente o encontro (do Barão com o inspetor) que vai sugerir um outro aprendizado:através da confissão e da aceitação da própria subjetividade, tanto o Barão quanto o inspetor descobrem que o amor é a essência da verdade, é a expressão do inefável; de sua verdade interior.

Identidade

2008-02-24T06:09:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Eram cinco da manhã. Pelas frestas da janela começavam a entrar os primeiros raios de sol. Eu não havia acordado. Queria acreditar que nem ao menos teria dormido, apenas amanheci junto com o alvorecer.

Levantei-me da cama, e cada passo que dava em direção ao banheiro só me fazia lembrar do longo caminho solitário que teria de percorrer até o trabalho. Lavei o rosto, escovei os dentes e olhei-me durante longos segundos no espelho. Ele me dizia o tempo todo quem eu era. E eu, apesar de relutar contra isso, sentia que era a mesma pessoa. A mesma menina assustada que corria no parque há trinta anos; a mesma adolescente tímida e sonhadora que lia Quintana há quinze anos, e a mesma mulher que beijava teus lábios e inebriava-se em teus braços sedentos de prazer há poucos instantes...no meu sonho.

Mas o dia não parou por aí. Enxuguei o rosto, fui até a cozinha. Peguei o leite, adocei-o com mel. Deixei que as gotas caíssem paulatinamente dentro do copo e observei-as atentamente, como a um espetáculo. Soerguendo o braço, alcancei na fruteira uma maçã. Estava tão doce! sentia como se fosse a sua própria doçura, o seu mais nobre desejo adentrando em mim, mas era apenas o sabor de uma maçã.

Voltei ao quarto, escolhi a roupa, para não dizer a máscara do dia. Era a mais bonita que eu já tive. Teria que ser assim para que a ninguém eu revelasse aquela identidade. De alguma maneira eu sabia que aquela bela roupa me ajudaria a esconder a solidão fortemente estampada em meu rosto, solidão que alguém jamais mereceu. Mas, ela estava ali. Estava ali, em frente ao espelho, diante dos meus olhos. E eu a conhecia, eu a conhecia como a um irmão meu. Estava ali o tempo todo...a sombra do meu pesar, o estar só, aquele doer n'alma que alguém jamais, jamais mereceu...oh,triste revelação que massacrou o sonho que era meu: descobri que a solidão, meu amor, a solidão era eu.

Metade

2008-02-22T07:23:00.000-08:00

Que a força do medo que tenho não me impeça de ver o que anseio. Que a morte de tudo que acredito não me tape os ouvidos e a boca. Porque metade de mim é o que eu grito, mas a outra metade é silêncio. Que a música que eu ouço ao longe seja linda, ainda que triste. Que a mulher que eu amo seja sempre amada, mesmo que distante. Porque metade de mim é partida e a outra metade é saudade. Que as palavras que eu falo não sejam ouvidas como prece nem repetidas com fervor, apenas respeitadas como a única coisa que resta a um homem inundado de sentimento. Porque metade de mim é o que eu ouço, mas a outra metade é o que calo. Que essa minha vontade de ir embora se transforme na calma e na paz que eu mereço. Que essa tensão que me corroe por dentro seja um dia recompensada. Porque metade de mim é o que eu penso e a outra metade é um vulcão. Que o medo da solidão se afaste, que o convívio comigo mesmo se torne ao menos suportável, que o espelho reflita em meu rosto o doce sorriso que eu me lembro de ter dado na infância. Porque metade de mim é a lembrança do que fui, a outra metade eu não sei... Que não seja preciso mais do que uma simples alegria para me fazer aquietar o espírito. E que o teu silêncio me fale cada vez mais. Porque metade de mim é abrigo, mas a outra metade é cansaço. Que a arte nos aponte uma resposta, mesmo que ela não saiba, e que ninguém a tente complicar porque é preciso simplicidade para fazê-la florescer. Porque metade de mim é a platéia e a outra metade, a canção. E que minha loucura seja perdoada, porque metade de mim é amor e a outra metade... Também.

(Osvaldo Montenegro)

Um lindo poema e uma triste canção escrita e interpretada por Osvaldo Montenegro, este maravilhoso compositor de MPB (um dos meus prediletos!). Ela está aí nos nossos vídeos do blog, vocês podem ver depois. Sempre que escuto o Osvaldo recitar este poema, me arrepio. Passa um filme pela cabeça. Lembro-me de minha infância, dos amigos que já não vejo, de ex-amores, de ontem, de hoje e de sempre...enfim, penso no mundo, nas pessoas que sofrem, que morrem injustamente,que pagam por crimes alheios, penso numa solução pra tudo isso, penso em vocês que vão ler isso, penso em mim e nas minhas muitas metades...

Machado & Carolina

2008-02-21T14:26:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Há poucos textos atrás, falava eu de uma história de amor que venceu o tempo. O texto era o do filme O Amor nos Tempos do Cólera, baseado na obra do colombiano Gabriel García Marquez. Agora, estou eu aqui de novo para falar de uma outra história de amor, esta da vida real, que também ultrapassou muitas barreiras, não só as do tempo, mas as da vida.

Refiro-me ao maior representante da Literatura Brasileira, o mestre Machado de Assis e sua musa, Carolina, mulher com quem foi casado por mais de três décadas.

Carolina Xavier de Novais, portuguesa, pertencente a uma nobre família da côrte carioca, casou-se com Machado de Assis em 12 de novembro de 1869. Seu primeiro obstáculo foi justamente, sua família que, inicialmente, não aceitava o fato de o noivo ser mulato e epilético.

Machado, já tinha em sua família um histórico de perdas irreparáveis, perdeu a mãe muito cedo, logo em seguida perdeu a irmã e algum tempo depois, com 12 anos de idade, perdeu o pai. O menino, gago e epilético, acabou sendo criado pela madrasta, que vendia doces para um colégio do Rio de janeiro. Foi aí que Machado, um menino muito pobre e sem condições de freqüentar escolas, passou a ter contato com professores e alunos.

Sua vida sempre foi muito difícil, mas o que se sabe é que, desde cedo, ele sempre teve interesse pelos estudos e pela leitura. Na adolescência, foi trabalhar na padaria de um homem francês, que o iniciou na língua francesa. Sempre auto-didata, aprendeu depois inglês, alemão e latim, chegando a trabalhar como tradutor de livros.

Machado teve em Carolina a esposa, a enfermeira, a secretária e a redatora. Além de corrigir os erros ortográficos do escritor, ela ainda opinava em seus textos. (quanta responsabilidade!). Como era uma mulher muito culta, através dela Machado conheceu escritores do mundo inteiro e pôde, mais tarde, publicar e divulgar seus romances.

Ele sempre a escrevia cartas apaixonadas. Numa delas, disse que Carolina não era como as mulheres vulgares que ele conhecia, que seu coração e seu espírito eram prendas raríssimas. Os dois nunca tiveram filhos e dedicaram todo seu amor a uma cadela de nome Graziela. Após a morte de Graziela (outra grande perda), tiveram um outro cão a quem deram o nome de Zero.

Em 1904 morre Carolina Novais, e a vida perde o sentido para o mestre Machado que, desde sua infância mais tenra, só conheceu a dor e o sofrimento causado pela morte de seus entes mais queridos. À carolina, dedicou um belíssimo poema:

Querida, ao pé do leito derradeiro

Em que descansas dessa longa vida,

Aqui venho e virei, pobre querida,

Trazer-te o coração do companheiro.

Pulsa-lhe aquele afeto verdadeiro

Que, a despeito de toda a humana lida,

Fez a nossa existência apetecida

E num recanto, pôs um mundo inteiro.

Trago-te flores, - restos arrancados

Da terra que nos viu passar unidos

E ora mortos nos deixa e separados.

Que eu, se tenho nos olhos malferidos

Pensamentos de vida formulados,

São pensamentos idos e vividos.

Machado de Assis morrera quatro anos depois, em 29 de setembro de 1908, sendo sepultado ao lado de Carolina, cumprindo o que a ela havia prometido quatro anos antes. Apesar de todo seu histórico de perdas e sofrimentos e de todo seu pessimismo, pouco antes de morrer suas últimas palavras foram: "a vida é boa".

Lendo e relendo essa triste história, acredito piamente no poder do amor. Um amor verdadeiro pode sim ultrapassar todas as barreiras, não só do tempo; do sofrimento, mas também da morte. Machado e Carolina são o maior exemplo real disso.(E este ano é o ano nacional do centenário da morte de Machado, teremos outros textos sobre sua vida e obra aqui no Letras & Arte).

Um Poeta Rebelde

2008-02-21T09:06:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Manuel Maria de Barbosa Du Bocage, considerado pela crítica literária um dos maiores sonetistas portugueses, acompanhado de Camões e Antero de Quental, foi um artista que, pelo menos didadticamente representou o Arcadismo, mas por sua rebeldia em relação às normas e regras do soneto e também pela originalidade de sua poesia, conseguiu romper com o convencionalismo árcade e aproximou-se muito dos românticos.

"Razão, de que me serve o teu socorro?

Mandas-me não amar, eu ardo, eu amo;
Dizes-me que sossegue, eu peno, eu morro."

Este trecho deixa bem claro que Bocage acreditava que as normas existem simultaneamente para refrear excessos e excitá-los pela força da proibição. E não era isso que o poeta queria, ele queria liberdade para expressar seus sentimentos, seu modo de pensar o mundo e seus desejos.

Por conta desta liberdade, muitas vezes, Bocage foi incompreendido, e alguns temas utilizados em sua poesia lhe custaram prisão e processos, como: a teoria do amor natural ("Amar é um dever, além de um gosto/uma necessidade e não um crime"), a distinção entre erotismo e pornografia ("Dá-me tédio a lição de escritos torpes"), o uso desatado de calão, a crítica ao clero ("Mandai desentulhar esses conventos/Em favor da preguiça edificados"), todos estes são tópicos que tornaram Bocage intolerável aos olhos da rigorosa censura portuguesa, e até hoje são pouco freqüentes em antologias bocagianas.

Aos mesmos

De insípida sessão no inútil dia
Juntou-se do Parnaso a galegage;
Em frase hirsuta, em gótica linguage,
Belmiro um ditirambo principia.
Taful que o português não lhe entendia,
Nem ao resto da cômica salsage,
Saca o soneto que lhe fez Bocage,
E conheceu-se nele a Academia.
Dos sócios o pior silvou qual cobra,
Desatou-se em trovões, desfez-se em raios,
Dando ao triste Bocage o que lhe sobra.

Neste soneto, assim como em muitos outros, Bocage fala de si mesmo e prossegue em sua campanha de desmoralização dos membros da Nova Arcádia. A ironia do texto advém de sua linguagem, da tosca relação Parnaso/Galegage, por exemplo. Além de sua aversão à hipocrisia da Academia árcade, Bocage também em muito criticou o sistema político português, o que também lhe resultou em prisões e processos.

Como hoje acordei lembrando dele, resolvi postar algo a seu respeito aqui. Seria uma maldade não dividir Bocage com vocês. Todo mundo merece, pelo menos um soneto de Bocage na vida! - :)

O Amor nos Tempos do Cólera: Gabo no Cinema

2008-02-20T10:48:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

O Amor nos Tempos do Cólera (Love in Time of Chole), estreou no cinema em dezembro de 2007, numa produção simples, porém bonita do diretor inglês Mike Newell.

O filme, baseado na obra de mesmo nome do colombiano Gabriel García Marquez (mestre do Realismo fantástico), se passa numa época em que a peste do Cólera assolava a América Latina e conta a história de Florentino Ariza (Javier Bardem) que se apaixona à primeira vista por Fermina Daza (Giovanna Mezzogiono), ao vê-la debruçada na janela da casa de seu pai.

A produção inglesa desta belíssima obra latino-americana, traz ainda no elenco Fernanda Montenegro, numa de suas mais fantásticas performances, interpretando a mãe de Florentino.

Florentino é um rapaz de origem simples, poeta e telegrafista, que tem como principal característica sua pureza e ingenuidade. É um homem extremamente romântico, que está se resguardando para o grande amor de sua vida. Já Fermina é uma jovem de personalidade forte, que apesar de, inicialmente, não querer obedecer às ordens de seu pai, que a obriga a casar-se com um jovem médico bem sucedido, acaba cedendo às pressões e não aceita o pedido de casamento de Florentino, casando-se então com o médico.

Mas, o amor de Florentino ultrapassa as barreiras do tempo, aliás, o tempo é um elemento bastante recorrente nas obras de Gabo (apelido de Gabriel García Marquez). Também o vemos com bastante relevância em Cien Años de Soledad (Prêmio Nobel em 1982), onde a família Buendía é condenada, inexplicavelmente, a viver cem anos de solidão. Assim, Florentino passa mais de 53 anos de sua vida a esperar por Fermina. Ele contabiliza fielmente seu tempo de espera, que dura exatamente 53 anos, 04 meses e 11 dias, até a morte do marido de Fermina.

Ao procurá-la, já viúva, Florentino encontra uma mulher amarga, cheia de pudor e com um certo preconceito de amar na sua idade; o que não é um grande problema para ele que, apesar da idade avançada, ainda cultiva o amor e o sexo com bastante disposição e naturalidade, contabilizando todas as mulheres que por ele foram amadas nestes pouco mais de 53 anos. Florentino procurava em cada uma dessas mulheres um pouco da Fermina por quem se apaixonara na juventude.

O Amor nos tempos do Cólera é uma belíisima história que narra a vitória do amor sobre o tempo. Nada pode apagar um sentimento tão puro e tão sublime. Florentino e Fermina, mesmo já tendo vivido separados grande parte de suas vidas, retomam um amor de 53 anos perdidos, provando assim a mais bonita máxima da obra: "que o amor é amor em qualquer tempo e em qualquer parte."

Nota:

Para finalizar, necessário é dizer que a produção cinematográfica, apesar de boa, não substitui a obra. A reprodutibilidade da indústria cultural de cinema reduz em muito a complexidade da obra literária. Além disso, o roteiro é um texto redutivo, adaptado, que pode sim comprometer a completude do texto original. Mesmo assim, O elenco é maravilhoso. Porém, sabe-se que é muito difícil para atores espanhóis interpretar um texto todo em inglês. O sotaque das personagens soa meio estranho, sem contar que o inglês de Fernanda Montenegro também não é nada muito bom (mas ela pode!). No entanto, este pequeno detalhe não compromete fortemente a excepcional interpretação dos atores que, do início ao fim, demonstram uma excelente performance. Apesar de alguns exageros, que até dão um certo ar cômico ao filme, a produção do inglês Mike Newell não foge tanto à fidedignidade do texto colombiano. O filme é realmente a cara do Gabo! Recomendo! -:)

Crônica: Literatura ou não?

2008-02-20T08:48:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Falar desse tipo textual tão simples e, ao mesmo tempo, tão grandioso, tão rico em detalhes, não é tarefa fácil. Muitas pessoas vêm a crônica apenas como gênero didático, outras (como eu), apreciam e admiram bastante os grandes cronistas, como Machado de Assis, por exemplo, que durante 40 anos de sua vida dedicou-se às crônicas produzidas para folhetins nos principais jornais e nas principais revistas do país.

A palavra "Crônica" vem do grego "chronos", e quer dizer "senhor do tempo"; O Deus Chronos é o senhor do tempo, devorador da vida. E não por acaso, esse gênero é, antes de mais nada, o registro de um aspecto qualquer da existência (social ou individual). Seu objetivo é registrar o circunstancial, como uma tentativa de eternizar um momento.

Embora considerada por alguns um gênero literário menor ou de pouca relevância, a crônica tornou-se para muitos escritores seu principal instrumento de expressão. Romancistas, poetas, teatrólogos e cineastas escrevem crônicas. E alguns, com bastante êxito até.

Enquanto Literatura, acredito que a crônica permita o exercício da subjetividade cotidiana do autor. Ela é o prazer e o sabor de um texto narrativo de reflexão descompromissada.Toda crônica é, dentre outras coisas, um relato ou um comentário de fatos corriqueiros, triviais do nosso dia-a-dia. Antes, ela era primeiramente publicada em jornais (nos folhetins, espécie de cadernos de entretenimento); depois, os autores selecionavam as melhores, as de temas mais universais e montavam seus livros com elas.

A crônica é um gênero dos tempos modernos, pois trata-se de um texto de rápida leitura e que se adapta muito bem à internet. Ela pode tratar dos mais variados assuntos, não importando tempo, espaço ou personagens. Seja em breves páginas de jornais ou em páginas complexas de livros, ela está sempre ensinando algo importante; fazendo o leitor prestar atenção e refletir sobre aquilo que, a princípio, parecia menor, desimportante.

Os cronistas precisam ser, portanto, pessoas muito sensíveis, observadoras, preocupadas em captar um breve instante e proporcionar ao leitor a cumplicidade, o diálogo e, sobretudo, a reflexão.Eles não pretendem apenas contar uma história, mas formar e trazer essa história para a vida de cada um de seus leitores.

O Brasil teve grandes representantes deste estilo literário. Além de Machado de Assis (que, apesar da perfeição e visão crítica de suas crônicas, não se tornou o Machado de Assis que conhecemos por conta delas, mas sim por seus romances), também tivemos José de Alencar, Carlos Drummond de Andrade, Rubem Braga (talvez o maior deles) e, mais didaticamente, Manuel Bandeira, Fernando sabino, Luís Fernando Veríssimo, etc. E uma coisa curiosa: muitos críticos julgam ser a carta de Pero Vaz de Caminha a El rei de Portugal D. Manuel, a primeira crônica do Brasil, pois o autor registra fielmente as circunstâncias do descobrimento e recria com arte tudo aquilo que registra no contato direto com os índios e seus costumes, naquele instante de confronto entre a cultura européia e a cultura primitiva.

Sendo um gênero de maior valor ou não, não posso negar que a crônica é, de fato, um excelente exercício textual para crianças em fase de iniciação leitora. Trabalhei muito esse gênero com meus alunos de ensino fundamental no estágio e o resultado desse trabalho foi muito positivo. Vi crianças apaixonadas por Fernando sabino e Manuel Bandeira, autores que eu já admirava quando tinha a idade delas. Foi uma experiência fantástica, que só me fez admirá-la ainda mais. Acho que existem crônicas para leitores de todas as idades, literariamente, ela é um gênero bem democrático. Só precisamos enxergá-la realmente como Literatura e não apenas como fonte de entretenimento. Mas, como disse Albert Einstein: "é mais fácil desintegrar um átomo do que um preconceito."

Diário de uma Paixão

2008-02-18T05:07:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Oi, amigos! Em primeiro lugar, quero agradecer a todos que estão visitando o blog e, em especial, agradecer ao carinho e aos elogios que venho recebendo. Só tenho lido e escutado coisas boas a respeito dele.

O Letr@rte é um projeto que eu já tinha em mente há algum tempo, mas era justamente tempo que me faltava para concretizá-lo, e acho que também ainda não era o momento, talvez se o tivesse criado antes, não estivesse sendo tão especial. Acho que as coisas só acontecem no momento exato, não adiantando forçar ou queimar etapas.

A verdade é que ando muito envaidecida com ele e, confesso que ele tem se tornado uma paixão. Procuro me dedicar ao máximo, e todos os textos que ponho aqui são produzidos com muito carinho e, principalmente, com muita, mas muita paixão. Acredito que quando fazemos as coisas com paixão, as pessoas sentem; acho que por isso tem dado tão certo. Até lembrei agora do filme Como Água para Chocolate, em que uma das personagens, de cujo nome não me lembro, vai para a cozinha preparar o almoço para a família e, como ela estava muito excitada, cheia de paixão e desejo, esses sentimentos são depositados na comida e todos passam a sentir o mesmo após sua ingestão. É muito engraçado! :)

Acho que é isso que está acontecendo comigo e com os leitores do Letras & Arte. Estou depositando aqui toda paixão que há em mim: meus sonhos, minhas angústias, minhas alegrias, meu amor pela Literatura, minhas emoções de um modo geral. Nem todo mundo tem coragem de dividir tais sentimentos com os outros, talvez por medo de parecer ridículo, talvez por medo de parecer fraco, não sei...o que sei é que sou humana e preciso extravasar minhas emoções. Quero dividir com os outros tudo de mais verdadeiro que há em mim. Não há porque manter os sentimentos ocultos, somos seres humanos e temos dentro de nós nossa maior riqueza: nossa interioridade. Precisamos arrancar as máscaras e deixar de ter medo de nos mostrar, porque não há nada mais belo nem mais fascinante do que um ser humano em sua essência.

Continuem visitando!

Divulguem!

...e se não for abusar, continuem elogiando! :)

Um grande beijo.

Remexendo os Clássicos

2008-02-17T12:22:00.001-08:00

Estava eu a remexer em uns papéis, quando encontrei este fragmento de Sartre e achei que deveria postá-lo aqui no blog para dividir com vocês estas tão doces, sábias e nostálgicas palavras deste grande pensador; alguém que, indubitavelmente, viveu mais e melhor que nós, pois passou toda a sua vida em um planeta chamado "Livro".

"Deixaram-me vagabundear pela biblioteca e eu dava assalto à sabedoria humana.

Foi ela quem me fez (...)

As densas lembranças, e a doce sem-razão das crianças do campo,

Em vão procurá-las-ia eu em mim.

Nunca esgaravatei a terra

Nem farejei ninhos, nem joguei pedras nos passarinhos.

Mas os livros foram meus passarinhos e meus ninhos; meus animais domésticos, meu estábulo e meu campo.

A biblioteca era um mundo colhido num espelho; tinha a sua espessura infinita, a sua variedade e a sua imprevisibilidade."

(Jean Paul Sartre)

Romantismo em Portugal: Almeida Garrett

2008-02-17T07:39:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Em meados do século XIX, Portugal encontrava-se politicamente dividido. De um lado, o apoio do governo britânico; de outro, as ameaças de invasão pelas tropas francesas de Napoleão. Com a vitória inglesa sobre Napoleão Bonaparte, inicia-se um período ainda mais conturbado para o povo luso: a submissão ao governo britânico que, juntamente com as influências dos ideais iluministas, provocaram nos portugueses um forte sentimento nacionalista.

Eclode então, em 1817, a famosa "Revolução do Porto", liderada por Gomes Freire. Tal revolução é rapidamente sufocada pelo exército inglês, porém trata-se de um acontecimento de suma importância por ser a primeira manifestação portuguesa contra a instabilidade política e a intolerância ideológica. A partir daí, inicia-se um longo confronto entre Miguelistas (defensores das pretenções absolutistas de D.Miguel) e Liberais (adeptos de D.Pedro I do Brasil, que prometia um governo constitucional para o país).

É óbvio que a situação política e cultural de um país reflete em sua vida artística e intelectual. Desssa forma, devido às influências iluministas e à falta de condições político-culturais favoráveis ao desenvolvimento de uma corrente estética voltada para o sentimentalismo, o Romantismo português só veio se expandir em 1834, com Almeida garrett e Alexandre Herculano (sobre este último, falaremos mais tarde, em outro texto).

Com uma notória formação arcádica e iluminista, é difícil consagrar Almeida Garrett em uma única escola literária. E, por mais que tenha exilado-se na Inglaterra e acreditem-se ter sofrido as influências do Romantismo inglês (Lord Byron, Walter Scott e o teatro de Shakespeare), Garrett nunca se auto-intitulou romântico e muito menos classicista; ao contrário: afirmava não seguir regras nem modelos.

Assim, quando no exílio em Paris (1825), publica o enorme poema Camões, Almeida Garrett demonstra toda sua capacidade inovadora diante da arte. Adota uma postura romântica no prefácio, mas a dilui no texto em si, ao eleger como herói um Camões dividido entre dois amores: o que sente pela mulher, que lhe é recusada, e o que dedica à pátria. Garrett serve-se do herói lusitano para defender, durante o exílio, os ideais liberais que almejava ver instaurados em Portugal. Logo, admite-se que esta obra tem valor mais por suas conotações políticas que pela estética romanesca propriamente.

Em Folhas Caídas, obra onde o referido autor adota uma postura mais romântica, mais reflexiva, percebe-se um conflito aberto e latente entre a idéia cristã de pecado original e um erotismo que, durante toda a sua carreira, apresenta-se das mais diversas formas.

A obra, dividida em dois livros (Folhas Caídas e Flores sem Frutos), é considerada autobiográfica, pois retrata seu ilícito relacionamento com uma mulher casada - a Viscondessa da Luz - e o título, Folhas Caídas, trata-se de uma alusão à relação outonal; passageira, mantida entre os dois amantes.

Em seus poemas, o erotismo vai de encontro à idéia do "desejar sem amar". para ele, este amor não é virtuoso e, portanto, pode levá-lo ao inferno. Um amor que é fonte de prazer e dor.

No primeiro livro, o poema Ignoto Deo (Ao Deus Desconhecido), que remete ao Classicismo, pois, dentre outras coisas, utiliza termos em latim, faz referência a um Deus que, embora desconhecido, é nele que o poeta acredita.

Depois disso, surgem características romanescas, como: a idealização da mulher (o ser amado visto, inicialmente, como angelical e inacessível); e depois, a decepção amorosa (o sofrimento de amor).

A maior contradição em Folhas caídas é justamente o sofrimento. O poeta sofre por não sentir o amor sublime; espiritual, sentindo apenas o desejo; o amor carnal pelo objeto desejado. E, apesar de sua descrição erótica, de limitar-se à esfera da carnalidade, Garrett se mostra profundamente anti-erótico.

No poema Anjo, o "eu" lírico oscila entre a auto-comiseração (piedade, ausência de culpa) e a auto-depredação. É importante lembrar que, há momentos na obra, em que ele não sente tanta culpa por desejar sem amar, porém, há momentos em que a própria mulher desejada deixa de ser anjo e torna-se vilã; culpada por seu sofrimento. isso está bem claro no poema Víbora, onde ele compara a mulher amada a uma víbora e diz que este amor é amaldiçoado e só provoca destruição.

No poema Não Te Amo (meu predileto), está bem clara a idéia de oposição entre "o amar" e "o desejar"; entre o amor sublime e o amor carnal:

"Não te amo, quero-te: o amor vem d'alma.E eu n 'alma – tenho a calma, A calma – do jazigo. Ai! não te amo, não. Não te amo, quero-te: o amor é vida.E a vida – nem sentida A trago eu já comigo.Ai, não te amo, não! Ai! não te amo, não; e só te queroDe um querer bruto e fero Que o sangue me devora,Não chega ao coração. Não te amo. És bela; e eu não te amo, ó bela. Quem ama a aziaga estrela Que lhe luz na má hora Da sua perdição? E quero-te, e não te amo, que é forçado, De mau, feitiço azado Este indigno furor.Mas oh! não te amo, não. E infame sou, porque te quero; e tanto Que de mim tenho espanto, De ti medo e terror... Mas amar!... não te amo, não".

Apesar da crítica considerar Almeida Garrett um poeta menor, quando comparado a Bocage, por exemplo, considero-o um grande gênio da Literatura portuguesa, pois sua obra tem como tema central o amor e isso é levado ao leitor de várias formas(o que só revela sua criatividade). Seja sagrado ou profano, o amor é a temática de ouro dos grandes poetas, e Almeida Garrett soube expressá-lo muito bem, à sua maneira, o que, obviamente, o distingue de outros consagrados artistas portugueses.

Sociedade dos Poetas Mortos

2008-02-16T18:14:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Hoje, saí com alguns amigos para assistir a uma sessão de cinema num Centro Cultural aqui de minha cidade, um lugar que adoro freqüentar. A sessão era gratuita e o filme, uma produção de 1989 (vencedora de um Oscar) que eu (e acho que vocês também) já havia assistido. No entanto, acho que a emoção que o filme despertou em mim da primeira vez que o vi não teve a mesma intensidade de agora.

O filme era Sociedade dos Poetas Mortos (Dead Poets Society), dirigido por Peter Weir.Conta a história de um ex-aluno da escola preparatória Weltom Academy (uma escola muito conservadora, só para garotos),que se torna o novo professor de Literatura.

O novo professor, Jonh Keating, vivido pelo maravilhoso Robin Williams, chega, já em seu primeiro dia de aula, chocando a turma, numa aula inicial impressionante, onde mostra aos alunos fotos e troféus de ex-alunos da escola, os quais foram educados dentro do método tradicional e severo que a escola propõe e pergunta a eles se acham que as vidas daqueles ex-alunos valeram a pena. Ele não obtém uma resposta, mas consegue deixar seus alunos intrigados.

O objetivo do Sr. Keating é fazer com que os alunos da Weltom Academy aprendam a pensar por si mesmos.Ele acredita que devemos aprender Literatura da forma mais humana possível. Para ele, a poesia existe porque somos humanos e precisamos expressar nossa subjetividade.

Uma das cenas mais marcantes é a cena em que o Sr. Keating chega à sala de aula e pede para que um aluno leia um texto do livro sobre Poesia, escrito por um autor didático conservador. O livro ensina como compreender a poesia. Conceitua a poesia como se estivesse explicando um cálculo matemático, com gráficos e tudo mais. O Sr. Keating reproduz o gráfico no quadro e, em seguida, pede aos alunos que rasguem a página do livro. Inicialmente, todos ficam assustados e hesitam fazer isso, até que o primeiro se enche de coragem e rasga a página.Depois disso, todos os outros rasgam a página também. A cena é muito linda! Ele explica que a poesia deve ser vivida e que não há métodos para se entendê-la. "O importante não é o que o autor ou o professor pensam, mas o que você pensa sobre o texto", diz ele.

Outra cena que me arrancou lágrimas dos olhos foi a cena em que Todd Andersen, um menino inseguro, reprimido pela família e pela escola, que quase não falava, pois tinha medo de se expor em público,consegue, levado para a frente da sala pelo Sr. Keating, recitar fragmentos de poesia.A cena é conturbada e emocionante. Todd, induzido pelo professor, balbucia palavras arrancadas de seu "eu" mais profundo. Isso me levou a pensar que um certo autor que li, cujo nome não lembro agora, tinha razão em dizer que todos nós somos poetas, apenas não sabemos disso.A poesia está dentro de nós e pode se manifestar de várias formas: num texto, numa conversa, numa atitude, num gesto...enfim, todos nós somos capazes de realizar poesia, basta que não tenhamos medo de expressar nossos sentimentos.

E não preciso dizer que dentro de uma instituição de ensino conservadora, os métodos revolucionários de ensino do Sr. Keating foram bastante perseguidos.Ele marcou a vida de seus alunos ao ensinar a eles que nunca desisitissem de seus sonhos e que buscassem sempre mostrar sua verdade interior, sua subjetividade, pois só assim seriam livres...o homem só é livre nos sonhos.

O professor mais inusitado da escola passa a ser chamado, carinhosamente, pelos alunos de "capitão" (captain). Eles descobrem então que Keating, quando fora aluno da Weltom, participou de um grupo que se reunia para discutir poesia, tal grupo era chamado Sociedade dos Poetas Mortos, e resolvem resgatá-lo.

O grupo passa a se reunir, clandestinamente, todas as sextas-feiras em um esconderijo. As reuniões são livres e todos demonstram bastante interesse pela poesia, mesmo sendo ainda iniciantes. Os garotos demonstram inteligência, companheirismo e bastante sensibilidade; declamam poemas, tocam instrumentos e discutem poesia! O Sr. Keating sempre os incita a tomar coragem, leva-os para aulas ao ar livre e para fazerem exercícios físicos, pois acredita que o esporte serve para dar mais autonomia e segurança ao homem.

Com o novo professor, os meninos da Weltom Academy passam a viver mais intensamente suas emoções: amores, conflitos, sonhos...tudo é vivido com mais intensidade. O mesmo acontece com a platéia, que se emociona, ao ver a coragem dos garotos e a paixão do Sr. Keating pela profissão, pela vida e, principalmente, pela Literatura.

Foi isso que me emocionou tanto no filme:a paixão.Vivo um momento de mudanças, de sonhos a serem conquistados.Quero ser como o Sr. Keating: entrar em uma sala de aula não para ensinar os métodos didáticos tradicionais de Literatura, que não ensinam o aluno a pensar, que não despertam neles a paixão;mas para mostrar a eles o quanto a Literatura pode ser importante em suas vidas; no desenvolvimento do raciocínio crítico, na sua forma de pensar o mundo,no auto-conhecimento; no exercício da subjetividade de cada um.

O Sr. Keating, assim como outros "professores-personagens" de filmes igualmente apaixonantes (Um adorável Professor, o Sorriso de Monalisa, estes foram os que consegui lembrar), tornou-se um modelo a ser seguido para mim.

Se eu conseguir marcar a vida de meus alunos,mudar sua forma de pensar, ser um modelo para eles, assim como alguns professores da vida real foram para mim, tenho certeza de que não terei passado por este mundo em vão e de que as pessoas não são imutáveis, nem o mundo está perdido. Estarei absolutamente certa de que esta vida realmente terá valido a pena. Carpe Diem!

Diário

2008-02-14T08:16:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Bem, saindo um pouco dos clássicos e voltando aqui, ao mundo dos simples mortais, gostaria de falar um pouco sobre o momento que vivo. Em primeiro lugar, é preciso dizer que isso aqui vicia, sempre que estou de bobeira em casa dá vontade de correr para a frente do computador para dividir com os outros minha paixão por Literatura...mas, voltando ao assunto, vivo um momento de maturidade pessoal e profissional, um momento de muita expectativa, angústia e medo. Estou terminando minha licenciatura em Letras e pretendo ensinar Literatura e Língua Estrangeira (Inglês), mas tenho medo de falhar...tenho medo de não conseguir ser a professora que sempre sonhei ser, apesar de já ter tido algumas poucas experiências com o magistério bastante satisfatórias.

Lembro-me com alegria de todos os professores que marcaram minha vida, do mais sizudo ao mais palhaço; lembro-me da minha primeira professora, tia Ângela...nossa, como faz tempo! Eu a amava como se fosse minha segunda mãe; meu primeiro professor de Literatura, Henrique (na 7ª série), que me chamava "minha bailarina"; lia minhas redações para a sala inteira escutar, me elogiava e dizia que eu seria uma escritora, uma poetisa. Não sei se ele tinha razão, mas sei que gostaria muito de ser como ele, ou como eles: professores que levam a sério a importância e o valor da educação, que sabem transmitir conteúdos e que são especiais para seus alunos.

Estou adorando a idéia do blog, sou muito saudosista e acho que ele está me servindo, dentre outras coisas, como uma espécie de "Diário do curso de Letras", meu primeiro livro virtual de memórias, pois aqui registro grande parte de meus trabalhos, provas, ensaios, resenhas, enfim...os momentos mais importantes que vivi na graduação. Momentos estes que levarei sempre comigo (já sinto saudades!), e prometo que tudo de bom que a comunidade acadêmica me ensinou, plantarei na sala de aula e regarei todos os dias.

Sobre Pessoa...

2008-02-14T05:14:00.000-08:00

"Não me lembro exatamente quando, pela primeira vez, conheci Fernando Pessoa. Adolescente e estudante do clássico, já ouvia alguns trechos de seus poemas como Tabacaria, Poema em Linha Reta, Autopsicografia ('O poeta é um fingidor'...) que vinham para mim como provérbios, sabedoria popular, já faziam parte da língua, e tudo aquilo me encantava. 'Mensagem' foi o primeiro livro com que tive contato, e já na faculdade. Me apaixonei.

O que mais me impressiona em Fernando Pessoa é que temos a felicidade de ver a inteligência, o caminho da razão, a lucidez, exposto em forma de poesia. Eliot é considerado o grande poeta moderno; então, diversas vezes perguntei a amigos quem eles achavam melhor, se Eliot ou Pessoa, e a pergunta sempre causou mal-estar. Eu prefiro Pessoa, ainda que adore Eliot e reconheça sua grandeza. A resposta é difícil, pois acontece que Pessoa é vários, por isso irregular. Diria assim: Eliot só tem jóia e Pessoa qualquer coisa...

O simples fato de já ter encontrado versos de Pessoa como tradição de nossa língua, necessariamente faz com que ele esteja também em mim."

(Caetano Veloso)

Tropicália:30 anos

2008-02-14T04:28:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Movimento cultural surgido no fim da década de 1960, que utilizando o deboche, a irreverência e o improviso, revolucionou a música popular brasileira, até então dominada pelos princípios estéticos da Bossa Nova. Liderado pelos músicos Caetano Veloso e Gilberto Gil, o Tropicalismo usa as idéias do Manifesto Antropofágico de Oswald de Andrade para utilizar elementos estrangeiros que entram no país e, por meio de sua fusão com a cultura brasileira, criar um novo produto artístico.

O Tropicalismo é o movimento da contracultura. Utilizando valores diferentes dos permitidos pela cultura dominante, incluindo referências consideradas cafonas, ultrajadas ou subdesenvolvidas, atingem, diretamente, o mundo artístico dominado pela elite brasileira.

Os artistas da Tropicália estavam cansados dessa visão elitista e do preconceito nacionalista presentes no cenário musical do Brasil. Acreditavam na necessidade de aproximar os jovens da arte popular, jovens estes que se viam cada vez mais fascinados pelo "iê-iê-iê" e pela batida pop dos Beatles. E, diferentemente da Bossa Nova, a Tropicália não pretendia sintetizar um estilo musical, mas sim instaurar no país uma nova atitude. Sua participação na cena cultural brasileira foi, antes de tudo, crítica (e não alienada, como diziam).

Canções como "Alegria, Alegria" (Caetano Veloso) e "Domingo no Parque" (Gilberto Gil) são consideradas marcos oficiais do novo movimento e já chegaram ao público provocando enorme polêmica no III Festival da Música Popular Brasileira da Tv Record, exibido em outubro de 1967. A grita foi geral: setores de esquerda da época classificaram a influência do rock como marca de alienação cultural nos tropicalistas. Fora isso, shows foram cancelados, letras de Caetano e Gil foram completamente ou parcialmente vetadas e os dois foram condenados ao exílio.

A Tropicália criticava fortemente os valores ético-morais da sociedade brasileira da época, que se encontrava sob o domínio de uma ditadura militar. O casamento era (mais do que hoje) um valor burguês tido apenas como instituição financeira. Os tropicalistas acreditavam que a vida era curta demais para se esperar pelo processo histórico. Eles queriam viver, amar, caminhar livremente, sem se preocupar com a "ordem e o progresso", por isso foram tão perseguidos. Para eles, o que importava era a busca da felicidade e, seguindo a linha da filosofia de Epicuro, acreditavam que a felicidade estava na liberdade; na autonomia.

Apesar de ter se revelado tão explosiva quanto breve (com pouco mais de um ano de vida oficial), a Topicália continuou influenciando gerações posteriores de artistas da música popular brasileira, como: Ney Mato Grosso, Arrigo Barnabé, Itamar Assumpção e muitos outros. E, ao contrário do que muitos pensam, também ficou conhecida internacionalmente, com diversos artigos publicados no periódico norte-americano The New York Times e na revista britânica The Wire, o que destaca sua posição e sua devida importância no modo de pensar a arte brasileira que, certamente, não foi a mesma após o movimento tropicalista.

Gostaria que os poucos representantes da Tropicália que ainda existem ainda tivessem essa garra, esse espírito revolucionário e, sobretudo, essa vontade de fazer música com a cabeça...

Morte & Vida Severina, João Cabral de Melo Neto

2008-02-13T16:14:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

"...E não há melhor resposta que o espetáculo da vida: vê-la desfiar seu fio, que também se chama vida,ver a fábrica que ela mesma, teimosamente, se fabrica, vê-la brotar como há pouco em nova vida explodida;mesmo quando é assim pequena a explosão, como a ocorrida;mesmo quando é uma explosão como a de há pouco, franzina;mesmo quando é a explosãode uma vida severina."

(Morte e Vida Severina)

Morte e Vida Severina, de João Cabral de Melo Neto, é um auto de natal pernambucano escrito entre 1954 e 1955. É apresentado em 18 cenas que se dividem em 2 partes, onde todas as cenas são representadas por um título explicativo, uma espécie de resumo do poema em si mesmo. Trata-se de uma envolvente e criativa alusão da tradição natalina do Sertão, simbolizando o nascimento de Cristo.

O auto narra a história de Severino, um retirante nordestino, um sem-nome que representa todos os iguais a ele e, durante as 12 primeiras cenas, descreve sua peregrinação que segue do rio Capibaribe, fugindo da morte e a encontra em todo lugar, chegando a perder suas esperanças de continuar sua luta pela vida.

A obra carrega já em seu título um forte jogo sintagmático, numa alusão ao tipo de vida e de morte que pessoas sofridas como Severino têm. "Severina" vem de "Severino". Ocorre aí uma adjetivação do substantivo próprio, característica muito recorrente em toda a obra de João Cabral e parece ser uma tentativa de esclarecer ao leitor a vida sofrida do protagonista a que a morte preside.

Desde a primeira cena, Severino exige o caráter comum de seu nome, porém não consegue se identificar através dele. Somente após a sua morte é que consegue ser um homem comum, igual aos outros sertanejos. Este é o momento da despersonalização, em que ele passa da representação da individualidade para a da coletividade. Um Severino passa a simbolizar todos os outros.

O pernambucano João Cabral de Melo Neto pertenceu, cronologicamente, à geração modernista de 45. Apenas cronologicamente, porque sua obra pouco tem a ver com a temática deste período, mas sua produção literária data de 1944, data obrigatoriamente includente dos autores nesta geração. Sua poesia é aberta a novos caminhos e ele tem uma forma muito pessoal de criar versos. A linguagem é concisa, seca e cheia de imagens visuais. Em Morte e Vida Severina, há uma clara personificação do rio Capibaribe, um dos principais traços de sua poesia, além, é claro, de sua óbvia precisão poética.

Esta obra, um clássico da Literatura Brasileira, é um poema de participação social. Retrata as condições do homem nordestino sem sentimentalismos, de forma clara e real. Recomendo!

P.S:Esta análise que vocês acabaram de ler foi a primeira questão de uma prova de Literatura. Fui a última a terminar,o professor não parava de olhar para o relógio... não sei como deu tempo, ufa! :)

...mas valeu a pena! Literatura sempre vale a pena...

Fanatismo: Florbela Espanca

2008-02-13T08:59:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

♪Minh’alma, de sonhar-te, anda perdida. Meus olhos andam cegos de te ver! Não és sequer a razão do meu viver, pois que tu és já toda a minha vida!
Não vejo nada assim, enlouquecida... Passo no mundo, meu Amor, a ler, no misterioso livro do teu ser, a mesma história tantas vezes lida!
“Tudo no mundo é frágil, tudo passa...” Quando me dizem isto, toda a graça duma boca divina fala em mim!
E, olhos postos em ti, digo de rastros: “Ah! podem voar mundos, morrer astros, que tu és como Deus: Princípio e Fim!...” ♪

Não poderia deixar de prestar minha homenagem a esta importante poetisa das Letras Lusitanas, Florbela Espanca, natural de Vila Viçosa (Alentejo - Portugal), de cuja poesia é uma das mais expressivas e femininas da Literatura de língua Portuguesa.

Este poema, intitulado Fanatismo, musicado pelo cantor e compositor cearense Raimundo fagner, tornou-se um dos maiores sucessos da MPB e revela muito bem os temas mais recorrentes da poesia de Florbela, como o exagero, o sofrimento, a solidão e o desejo de felicidade, algo que só pode ser alcançado no absoluto, no infinito.

Influenciada por Antero de Quental e, mais longinquamente, por Camões, Florbela tem na técnica do Soneto o ápice de sua poesia, marcada pela passionalidade de sua linguagem, algo muito pessoal e centrado nas suas frustrações sentimentais, como os diversos casamentos falhos, o que lhe provocou fortes desilusões amorosas. Há em sua poesia um sensualismo, muitas vezes erótico e, simultaneamente, a presença da paisagem natural do Alentejo, o que simboliza a relação da subjetividade interior da poetisa com a natureza.

Vale a pena conferir a sua obra completa!

Comente!

Conto: A Hora e a Vez de Augusto Matraga, de Guimarães Rosa

2008-02-12T16:47:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

O livro Sagarana reúne uma coletânea de contos de cunho regionalista em que se verifica toda a inventalidade de Guimarães Rosa, no que diz respeito à sua linguagem literária e às suas técnicas narrativas. Os contos abordam temáticas como a aventura, os animais metaforizados em pessoas, reflexões fincadas na subjetividade e espiritualidade, assim como também na morte. O livro apresenta grande expressividade e originalidade. A obra e seu autor estão inseridos na terceira fase do Modernismo brasileiro ou Neomodernismo, como preferem muitos.

Mas, um de seus contos, em especial, me chamou muita atenção e tornou-se, inclusive, tema de um ensaio produzido para a disciplina de Literatura Brasileira IV da universidade, o qual me rendeu muitas alegrias e me proporcionou muito prazer. Trata-se do último conto da obra, intitulado A Hora e a Vez de Augusto Matraga. Uma história rica em alegorias e questionamentos de cunho universal, que nos fazem refletir acerca dos eternos conflitos interiores e exteriores vividos pelo homem.

A Hora e a Vez de Augusto Matraga narra as peripécias heróicas de um homem peculiar do sertão de Minas Gerais, e assim como toda a obra de Guimarães Rosa, focaliza o regional mineiro e capta aspectos físicos, sociais e psicológiocos do meio interiorano.

A história tem como pano de fundo a luta entre o bem e o mal e, conseqüentemente, todo o sentimento de angústia, de medo, de culpa e de vergonha decorridos de uma tomada de consciência do homem que, influenciado pelos acontecimentos e pelo mundo das idéias cristãs, opta por uma dessas forças.

Personagens:

1. Augusto Matraga: na verdade, Augusto Esteves, filho do Cel. e fazendeiro Afonso Esteves. Um homem valentão e temido por todos, que deixava a mulher e a filha em casa enquanto bebia e vadiava com prostitutas. Um dia, já cheio de dívidas, perde os amigos e a mulher. Leva uma surra e é dado como morto. Depois disso, se converte e morre preocupado em salvar sua alma.

2. D. Dionóra: mulher de Augusto Matraga. Desprezada pelo marido, foge com outro homem. Nunca mais volta a ver o marido.

3. Mimita: filha de Matraga. Foge com a mãe, mas depois cai na vida em companhia de um homem desconhecido.

4. Sr. Ovídio Moura: homem com quem a mulher de Matraga foge.

5. Quim Recadeiro: amigo fiel de Matraga. Quando matraga leva uma surra e é dado como morto, Quim tenta vingá-lo e termina sendo assassinado pelos capangas do major Consilva.

6. Major Consilva: poderoso latifundiário e inimigo de Matraga. manda matá-lo após uma emboscada.

7. Mãe Quitéria e Pai Serapião: casal de negros que cuida de Matraga após ter sido vítima de uma emboscada. Este casal lhe ensina a moral cristã.

8. Joãozinho Bem-Bem: homem valente e temido. Tem muita afinidade com Matraga, porém ambos morrem no final, após lutarem um contra o outro.

9. Angélica e Siriema: prostitutas leiloadas numa festa popular ocorrida no início do conto. Matraga ganha Siriema por que era temido. Ele prefere Siriema à Angélica por esta ser branca, mas, ao vê-la sem roupa, desiste de possuí-la por considerá-la muito feia. (exigente o moço, não? rsrs...)

10. Padre: é chamado pelo casal de negros para abençoar Matraga e diz a ele: "sua hora chegará". Esta frase é lembrada por Matraga até o final da história sempre que lhe vêm à memória as injúrias que sofreu.

A Hora e a Vez de Augusto Matraga já rendeu muitos estudos de antropólogos e cientistas sociais, devido à riqueza em elementos culturais brasileiros. O antropólogo Roberto da Matta salienta que o herói Augusto Matraga é, na verdade, um "renunciador", ao passo que célebres personagens da Literatura Universal, ao contrário dele, preferiram seguir em busca de vingança, como o famoso Conde de Monte Cristo, best-seller de Alexandre Dumas.

Embora muitos estudos tenham sido elaborados com opiniões divergentes, percebí detalhes muito claros na essência do texto. A moral da história é a conversão cristã do protagonista. O rito de passagem (característica recorrente nas obras de Rosa) nada mais é do que uma forma simplificada da passagem de pecador a cristão.

Numa visão mais global e intertextual, vemos na saga de Matraga uma semelhança muito forte com a saga de Cristo, pois Augusto Matraga morre em nome da esperança e da salvação não só de sua alma, como também de outras almas. Ele entra em confronto com Joãozinho Bem-Bem para salvar uma família, que de uma forma alegórica, pode estar representando a sua própria família. Aliás, a família é um elemento de grande relevância na obra de Rosa, ela é sagrada e está sempre no topo de um pedestal. Salvar aquela família das garras de um bandido era, para Matraga, o mesmo que resgatar a sua própria família.

O local onde é travada a luta entre Joãozinho e Matraga lembra a Via-Crucis. No Brasil, lembro-me muito bem desta passagem bíblica retratada na letra da canção Faroeste Caboclo, de Renato Russo, no auge do sucesso como líder da banda Legião Urbana. O João de santo Cristo, "um homem santo porque sabia morrer", travava uma luta com o bandido Jeremias, um perigoso traficante da cidade de Brasília. No confronto, João morre heroicamente, salvando sua alma de todos os pecados que cometera. E assim como Matraga, João de Santo Cristo também perdoa sua amada (Maria Lúcia) pela traição de ter fugido com outro.

Sem dúvida, a morte representa o ápice do heroísmo para a moral cristã. Ela corresponde a um ritual de purificação da alma, ritual também presente em obras como O Barão, do escritor português Branquinho da Fonseca, autor pertencente ao Presencismo, uma espécie de primeiro momento do Modernismo em Portugal. A diferença é que em Branquinho da Fonseca a purificação é representada pelo vinho e não pela morte, mas em Guimarães Rosa, a morte é, indubitavelmente, o passaporte humano para a vida eterna no céu.

O arrependimento e o perdão, dois elementos essencialmente cristãos, constituem parte do processo de purificação. Augusto Matraga, ainda em vida, arrepende-se de ter perdido sua família e, a partir daí, tem início seu processo de conversão cristã. E a efetivação dessa conversão se dá quando, no momento de sua morte, Matraga perdoa seu assassino, perdoa sua mulher e pede que abençoem sua filha.

Esta é a Hora e a Vez de Augusto Matraga. É o momento da redenção. A salvação que ocorre por meio da vontade; da obstinação, algo muito forte no personagem. Ele entrega sua vida em nome do amor ao próximo, em nome do amor de Deus e morre feliz por ter cumprido sua missão, por ter se tornado cristão.

Espero que tenham gostado desta pequena amostra do ensaio e que eu não tenha contado tantos detalhes da história, a ponto de estragar a surpresa da leitura (rsrs). Mesmo assim, Sagarana possui muitos outros contos, todos muito bem construídos e apaixonantes, bem como toda a obra de Guimarães Rosa.

Letras & Arte: por quê?

2008-02-12T08:27:00.000-08:00

(Márcia Oliveira)

Este blog nasceu do desejo de uma estudante de Letras de utilizar a força interativa da internet para bons fins. Nesta enorme e democrática rede podemos fazer um pouco de tudo: nos divertir, esquecer as dificuldades do dia-a-dia, nos informar, nos alienar, enfim...o uso benéfico ou não da internet fica a critério de cada um.

Pensando nisso, resolvi criar o Letras & Arte, um blog que relaciona Literatura a outros tipos de arte. Aqui, teremos um variado cardápio: além de literatura, música, teatro, dança e muito mais...tudo relacionado à nossa arte-mor: a Literatura. Sua principal característica é a diversidade; a liberdade de escolha. Podemos escolher nosso conteúdo eletrônico, temos muitas opções. Será um verdadeiro banquete da arte! Sinta-se à vontade para degustá-lo!

Um abraço.